OMD - Orchestral Manoeuvres in The Dark

El dúo OMD procede de la ciudad de Liverpool, formado por Paul Humphreys (nacido el 27 de febrero de 1960) y Andy McCluskey (nacido el 24 de junio de 1959), dos estudiantes fanáticos de la música de Kraftwerk (los alemanes son la banda favorita de ambos y “Neon Lights” su tema preferido) que comenzaron formado parte del grupo Equinox a mediados de la década de los 70. Por esa época pasaron por diversos conjuntos como VCL XI, Hitlerz Underpantz y The Id.

Tras The Id, Andy y Paul divergieron durante un breve tiempo. Cuando el grupo se separó en 1978, Andy formó parte de una banda denominada Dalek I Love You, pero poco después volvió a encontrarse con Paul en su proyecto definitivo: OMD. Paul, de 18 años por aquella época y Andy, de 19, comenzaron a grabar en un cuatro pistas varios temas que fueron enviados a distintos sellos. Uno de ellos, “Electricity” (claro homenaje a Kraftwerk y su “Radioactivity”), llamó la atención de Tony Wilson, quien les ofreció grabar la canción en Factory Records en el mes de mayo del año 1979. Poco después consiguieron firmar con la Virgin, quien publicó sus discos en el sello DinDisc, reeditando “Electricity” en septiembre. A comienzos del año 1980 aparece un nuevo single “Red Frame/White Light” (aquí tributando a la Velvet Underground), que sería continuado con “Messages” (con una versión de la Velvet Underground, “Waiting for the man”, como cara b), temas en los cuales ya colaboraban en las grabaciones ex compañeros de la pareja en sus anteriores formaciones, el batería Malcolm Holmes (antiguo miembro de The Id) y el teclista Dave Hughes (ex componente de Dalek I love you), además del guitarrista Dave Fairburn o el teclista y saxo Martin Cooper.

La co-producción de los primeros temas correrá a cargo de su representante Paul Collister (también diseñador de las portadas de los discos), quien firmaría con el seudónimo de Chester Valentino. Andy, además de componer, se ocupaba de la voz, teclados, la percusión electrónica y los arreglos y Paul ejercía tareas vocales, tocaba el bajo, teclados, percusión electrónica y arreglos. El Lp debut “Orchestral Manoeuvres in The Dark” (1980) contenía sus singles junto a apreciables cortes como “Julia’s song”, “Bunker Soldiers” O “Almost” y denotaba la influencia de Kraftwerk en sus inicios, imbuida en la viveza new wave y un interesante grado experimental. OMD saltaron al estrellato en septiembre de 1980 gracias al tema “Enola Gay” (nombre del bombardero B-29 desde donde se lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima), co-producido por Mike Howlett (miembro de Gong), que consiguió excelentes ventas en todo el mundo, aupándose a lo más alto de las listas mundiales. “Enola Gay” formó parte de su segundo Lp, “Organisation” (1980), un disfrutable disco, rico en texturas gracias a la producción de Howlett que contenía temas como “Statues” (canción dedicada a Ian Curtis, el líder de Joy Division), “The more I see you” o “Motion and heart”. “Architecture & Morality” (1981) es uno de sus mejores discos Incluía grandes clásicos del grupo de Liverpool, como “Souvenir”, “Joan of Arc” o “Maid of Orleans” y apreciables temas como “She’s leaving”, exhibiendo interesantes textos, una innata habilidad para la melodía y unos atmosféricos pasajes electrónicos con la importante participación de la batería “humana” de Malcolm Holmes. EL single “Genetic Engineering” (con la cara b “Neu”, tributo al grupo homónimo) fue la presentación de un nuevo disco, “Dazzle Ships” (1983), uno de sus Lps más experimentales y complejos, con cortes como “Telegraph” (segundo single del álbum), “Radio Prague” o “This is Helena”. Este disco no consiguió los resultados comerciales deseados por la banda, lo que orientó su música a terrenos más pop y composiciones menos arriesgadas, descansando principalmente en el lado más melódico y en ritmos pegadizos, apreciable en “Junk Culture” (1984), su nuevo Lp producido por Brian Tench, ingeniero de varios de sus discos anteriores. Tony Visconti participó en arreglos de varios temas, entre ellos el primer single “Locomotion”. Posteriormente llegarían sencillos como “Tesla Girls” y “Talking loud and clear”.

Estos sonidos más comerciales prosiguieron en “Crush” (1985), disco producido por Stephen Hague que contiene algunos de los mejores cortes synth pop de su carrera, como “Secret” (con la voz de Maureen, mujer de Paul Humphreys), “La Femme Accident” o la excelente “So in love”, canción que les abrió el mercado estadounidense. Antes de la grabación del álbum, el dúo se amplió con la presencia del guitarrista y trombonista Graham Weir y su hermano, el bajista y trompetista Neil Weir. La tendencia pop de “Crush” se prorrogó en “The Pacific Age” (1986), disco que contenía los singles “(Forever) Live and Die”, “Shame” y “We love you”. Unos meses antes, OMD había conseguido uno de sus hits más importantes con el single, no encontrado en el disco, “If you leave”, un tema utilizado en la banda sonora de la comedia de John Hughes “La chica de rosa” que alcanzó el número 4 en el Billboard. Tras este álbum, Paul Humphreys decidió abandonar el grupo y en 1988 publicaron un recopilatorio que contenía el estupendo sencillo “Dreaming”. Sin Humphreys y después de un hiato sin sacar nada al mercado, Andy McCluskey retornó con OMD en los años 90, realizando una serie de decentes Lps, “Sugar Tax” (1991), el flojo “Liberator” (1993) y “Universal” (1996), con temas aprovechables (“Sailing on the seven seas”, “Pandora’s Box”, “Walking on the milky way”) en donde se extendía su autoría de piezas de logradas melodías y elevada carga sentimental. Tras “Universal”, McCluskey abandonó el proyecto de OMD y unos años después fue el mentor del trío femenino de teen pop Atomic Kitten. Humphreys, por su parte, formaría el grupo The Listening Pool con varios músicos de OMD (el batería Malcolm Holmes y el teclista Martin Cooper).

Página oficial: http://www.omd.uk.com/

Nirvana - Puro Grunge

Los orígenes del grupo se remontan al año 1986, cuando Kurt Cobain (nacido el 20 de febrero de 1967 en Hoquiam, Aberdeen, Washington), un muchacho inconformista, hijo de padres divorciados que había abandonado el instituto para dedicarse a pintar y escribir música, con influencias tan heterogéneas como The Beatles, Kiss, Black Sabbath, Pixies, Meat Puppets, Sonic Youth, Ramones o The Sex Pistols, decidió formar un grupo de rock en la localidad de Aberdeen, tras colaborar durante un tiempo como roadie para el grupo de punk The Melvins, que lideraba su amigo Buzz Osbourne.

Sería precisamente Osbourne quien le presentaría a Cobain un muchacho alto y desgarbado de ascendencia croata llamado Chris (Krist) Novoselic (nacido el 16 de mayo de 1965 en Campton, California), un fanático del hard-rock y el punk también residente en Aberdeen, población cercana a Seattle, con el que formó la banda Ed, Ted & Fred, en la cual Kurt ocupaba el puesto de batería. Con posterioridad cambiaria de nombre en varias ocasiones, haciéndose llamar Stiff Woodies, Fecal Matter, Brown Cow, Bliss, The Sellouts, Skid Row o Throat Oyster. En 1987 se rebautizaron como Nirvana y añadieron un nuevo miembro, el batería Chad Channing (anteriormente habían estado Aaron Bukhart, Dale Crover, el batería de los Melvins y Dave Foster), pasando definitivamente Cobain a la voz y guitarra.

El trío consigue llamar la atención del sello Sub Pop gracias a una demo presentada a Jack Endino y graban el Lp "Bleach" (1989), disco producido por el propio Endino, que anunciaba sus propuestas de mixtura entre potencia punk y melodía pop, con alternancia de tiempos (generalmente con estrofas calmosas y estribillos enardecidos) y letras de talante intimista y semblante alegórico. En el album se encontraba su primer single, un cover de "Love Buzz", tema del grupo holandés de los 60 Shocking Blue, quienes alcanzarían su mayor éxito con la conocida canción "Venus". El corte más popular del Lp es "About a girl", popularizado posteriormente con el "Unplugged en Nueva York". Otros temas destacados son "School", "Negative Creep" o "Blew". En los créditos de "Bleach" aparecía Jason Everman. Cobain dijo con posterioridad que Everman, que pasaría posteriormente por Soundgarden y Mindfunk antes de convertirse en militar, no había participado en la grabación y que fue añadido para sufragar parte del coste de la grabación, solamente 600 dólares. En el único tema en donde intervino fue en la versión de los Kiss "Do you love me?", que Nirvana incluyeron en el album tributo a la banda neoyorquina "Hard to believe". Este primer album consiguió cierta repercusión en el circuito alternativo y entre prestigiosos profesionales de la música, que se interesaron vivamente por Nirvana, obteniendo también un seguimiento de culto en Inglaterra, especialmente tras la promoción del periodista del Melody Maker, Everett True, el discjockey John Peel y sus nervudas actuaciones en directo. En 1990 Butch Vig les produjo el single "Sliver/Dive" y logró que fueran contratados por Geffen, no sin antes incorporar al batería, ex miembro de Scream, Dave Grohl (nacido el 14 de enero de 1969 en Warren, Ohio), que reemplazó a Channing en septiembre de 1990.

Tras telonear a Sonic Youth por Europa y triunfar en el Festival de Reading, Nirvana publicaron su nuevo trabajo, "Nevermind" (1991). Producido por Vig, el album fue intensamente promocionado en la MTV con su sencillo inicial, el excelente "Smells like teen spirit", que popularizó a la banda en todo el mundo, consiguiendo en numerosos países el número 1 en single y Lp . Resultó significativo a nivel sonoro que Nirvana desplazara del número 1 en disco grande al "Dangerous" de Michael Jackson, devolviendo al rock y a la música de esencia guitarrera su pretérita preeminencia popular. Canciones como "Lithium", "In Bloom", "Come as you are", "Polly" o "Drain You" forman parte de este clásico de los 90, que ofertaba una resonancia más pulida gracias al trabajo de Butch Vig. La inestable personalidad de Kurt Cobain no soportó demasiado bien este nuevo estatus de estrella e icono del rock, sumiéndose en una progresiva misantropía y aislamiento, socorrido por el consumo excesivo de drogas, que poco a poco fueron arrinconándolo hacia posiciones suicidas. En 1992 contrajo matrimonio con Courtney Love, componente del grupo Hole, con quien tuvo a una hija llamada Frances Bean, nombre puesto en honor de la malograda actriz del cine clásico Frances Farmer, a la que también Cobain dedicaría una canción. Los tres miembros de la banda aparecían a menudo en publicaciones y programas de gran trascendencia pública, como el "Saturday Night Live", espectáculo televisivo con beso incluido entre Grohl y Novoselic que causó cierto impacto entre la audiencia estadounidense. Los problemas de estómago de Cobain, que lo llevaron a un ingreso hospitalario, retrasaron la grabación de su siguiente y esperado album en estudio. Antes aparecería "Incesticide" (1992), una colección de rarezas que incluía canciones como "Stain", "Been a son", "Aneurysm" o el citado single "Sliver"/Dive". Para la grabación de "In Utero" (1993), Nirvana contaron con el trabajo de producción de Steve Albini, colaborador de los Pixies, y de Scott Litt, que mezclaría el disco, más rugoso y menos comercial que el anterior. "Heart-Shaped Box", "Rape me" o "All Apologies" eran algunos de los temas estrellas de un album que volvió a lo más alto de las listas internacionales. Los conciertos del grupo contaron con el añadido del guitarrista Pat Smear (ex The Germs), quien aparecería en el concierto unplugged grabado para la MTV a finales de 1993. En una gira por tierras europeas, Kurt Cobain se intentó suicidar en Italia tras una sobredosis de heroína. Dispuesto a rehabilitarse, Cobain fue ingresado en un centro de la ciudad californiana de Los Angeles, pero tras escapar del mismo y retornar a Seattle, se disparó letalmente en su hogar el 5 de abril de 1994. Tenía 27 años.

En su nota de suicidio Kurt había escrito una frase del tema "Hey Hey, My My (Into the black)" de Neil Young: "It's better to burn out that fade way" (es mejor quemarse que apagarse lentamente). Young posteriormente le dedicaría el tema "Sleeps with angels", encontrado en su Lp homónimo. El mismo año de su muerte se publicó con gran recibimiento popular y crítica el acústico "Unplugged en Nueva York" (1994), en donde versionaban a gente como David Bowie, Meat Puppets, The Vaselines o al bluesman Leadbelly, y posteriormente el abrasivo "From the muddy banks of the wishkah" (1996), dos formas contrapuestas de acercamiento en vivo a las composiciones de Cobain y ejecuciones de Nirvana. Después de la desaparición de Kurt, Dave Grohl, en calidad de cantante y guitarrista, formó, junto a Pat Smear, el grupo Foo Fighters, mientras que Novoselic crearía Sweet 75 junto a la vocalista venezolana Yva Las Vegas. La vida y/o actitud de Kurt Cobain fue llevada al cine en diferentes ocasiones, una de ellas por Gus Van Sant.

The Cars - La Historia

The Cars es una banda estadounidense de New Wave proveniente de la ciudad de Boston, Massachusetts. Liderada por Ric Ocasek, y conformada además por Benjamin Orr, Greg Hawkes, Elliot Easton y David Robinson, se formaron a mediados de los años 1970 en pleno despegue punk; en 1977 consiguieron un contrato discográfico con Elektra Records y en 1978 lanzaron su primer disco. En 2010, los cuatro miembros sobrevivientes de la banda se reagruparon y grabaron el álbum "Move Like This" (2011) luego de 23 años de ausencia de los estudios de grabación. Este disco presenta sus sencillos y vídeos "Blue Tip" y "Sad Song", que mantienen en buena medida su estilo new wave / pop electrónico característico.

The Cars fundada en la ciudad de Boston, Estados Unidos, y cuya cara más visible fue Ric Ocasek. Los Cars fueron una de las primeras bandas en meterse en la corriente pop de finales de los años setenta e inicios de los ochenta que fundía la guitarra con el incipiente sintetizador. Aunque Ocasek era si cara visible en los videos; Benjamin Orr era la presencia del grupo en los escenarios. Ric Ocasek y Benjamin Orr se conocieron en una fiesta en Columbus, Ohio. Luego empezaron a trabajar como un dúo que interpretaba clásicos del rock and roll y material propio, rehusándose a tocar las canciones de moda que esperaban los dueños de los bares que les contrataban. Decidieron mudarse a Boston porque creían que era el mejor lugar para entrar en contacto con la industria musical. Allí conocieron a Greg Hawkes un estudiante de música y a Jas Goodkind, guitarrita con quienes formaron un grupo de música folk al que llamaron, “Milkwood”. En 1972 sacaron un LP titulado “How's the Weather” que ni siquiera se asomó a las listas. “Milkwood” desapareció, pero Ocasek, Orr y Hawkes siguieron juntos y formaron “Richard and the Rabbits” (nombre sugerido por el músico punk Jonathan Rickman), identidad que usaron para presentarse en un bar de Boston por un tiempo. La salida de Hawkes les llevó a reconstituirse como dúo bajo el nombre “Ocasek and Orr”. Empezaron a presentarse en Cambridge en donde empezaron a acumular una base de seguidores. Pronto apareció Elliot Easton, que se convertiría en el guitarrista de Cars. Con él formaron Captain Swing un grupo que llamó la atención del programador de radio Maxanne Sartori y que les ayudó programando sus canciones con frecuencia. Sin embargo, aún estaban lejos de convertirse en una banda profesional. Las disqueras los rechazaban “porque se veían muy raros”. Por otra parte Ocasek chocaba a menudo con el baterista que se inclinaba más por un estilo más cercano al jazz, mientras que lo que él quería era una banda más rocanrolera. Por su parte, Benjamin Orr era la cara visible del grupo y, aunque no tocaba ningún instrumento, cantaba todas las canciones, incluyendo los demos. Ocasek se dio cuenta que la cosa no iba para ninguna parte y despidió al bajista, al tecladista y al baterista y decidió reacomodar la banda en un estilo que calzara más con su forma de escribir. Dado que una de las críticas de las disqueras era que Orr se quedaba parado cantando, decidieron ponerlo en el bajo. A la batería llegó David Robinsons quien le dijo a Ocasek que prefería tener un trabajo fijo y que los Cars serían su último grupo, de hecho él bautizó al grupo.Después de pasar todo el invierno de 1976 tocando por toda Nueva Inglaterra mientras se ajustaban y Billboard 200.

La banda fue contratada por Elektra Records. El demo de “Just What I Needed” fue el sencillo que encabezó el disco debut “The Cars” que alcanzó el puesto número 3 en la lista Billboard de álbumes pop. Del disco se extrajeron “Good Times Roll” y “My Best Friend's Girl” que entraron a las 40 más sonadas. Siguiendo los pasos de Roxy Music, el grupo le pidió al artista pop Alberto vargas que les hiciera la funda de su próximo disco. “Candy-O” se puso a la venta en 1979 y produjo dos sencillos que también entraron a las 40 más sonadas. Creyendo que era hora de la madurez, en 1980 sacaron “Panorama”, un disco que solo produjo un éxito y que fue descrito por la revista Rolling Stone como “El disco de arte de Ocasek, pero no uno muy bueno”. En 1981 los Cars compraron su propio estudio en Boston, en el que solo grabaron “Shake It Up”, un LP que les permitió tener su primera canción entre las 10 más calientes. En 1982, el grupo hizo una pausa en el camino y se alejo de del mundo de la música para darle paso a proyectos personales. Cuando se volvieron a reunir produjeron su disco más exitoso “Heartbeat City” de 1984. “You Might Think” fue el video del año en MTV, además de producir otros éxitos como “Magic”, “Hello Again” y “Why Can`t I Have You”. “Drive”, su sencillo más vendedor se disparó cuando la CBC de Canadá lo usó para ilustrar el tema de la hambruna en Etiopía. Después de un período en el que caminaron entre las estrellas salió “Tonight She Comes”, un sencillo que venía en el disco de grandes éxitos. Entonces, cada cual siguió su camino hasta que en 1987 grabaron su último disco “Door to Door”. El LP no llegó a donde se esperaba y en febrero de 1988 anunciaron la separación del grupo. A finales de 1990 circularon rumores de que los Cars correrían juntos otra vez, pero no fue así. Sin embargo a mediados de la década, Rhino Records lanzó un doble CD llamado “Just What I Needed: The Cars Anthology” en el que estaba cuanta cosa rara produjo el grupo. Ocasek se sigue presentando como solista luego de haber producido siete discos. Robinson se ha retirado de la música (cumplió con su palabra) y se dedica a su restaurante. Benjamin Orr falleció en el año 2000 de cáncer en el páncreas, mientras que Easton y Hawkes formaron los nuevos Cars en el año 2005. En 2010, la banda anuncia el lanzamiento de un nuevo álbum de estudio en 23 años con su formación original, con la excepción del ya fallecido Orr.Su nuevo álbum se titula "Move Like This" lanzado en mayo del 2011 con temas como Blue Tip, Too Late, Keep On Knocking, Soon, Sad Song, Free, Drag On Forever, Take Another Look, Its Only y Hits Me, que contienen esencialemnte el estilo New Wave que caracterizó a la banda. Este trabajo, en general, fue bien recibido por el público estadounidense y alcanzó el Nº 7 en

Discografía 

Studio albums:
The Cars (1978)
Candy-O (1979)
Panorama (1980)
Shake it Up (1981)
Heartbeat City (1984)
Door to Door (1987)
Move Like This (2011)

Compilaciones:
Just What I Needed: The Cars Anthology (1995)
The Cars (Deluxe Edition) (1999)
3 for 1 Box Set (2001)
Complete Greatest Hits (2002)

You Might Think

Oh well uh you might think I'm crazy
to hang around with you
or maybe you think I'm lucky
to have somethin' to do
but I think that you're wild
inside me is some child

You might think I'm foolish
or maybe it's untrue
(you might think I'm crazy)
you might think I'm crazy
(all I want is you)
but all I want is you

You might think it's hysterical
but I know when you're weak
you think you're in the movies
and everything's so deep
but I think that you're wild
when you flash that fragile smile

You might think it's foolish
what ya put me through
(you might think I'm crazy)
you might think I'm crazy
(all I want is you)
all I want is you

And it was hard so hard to take
there's no escape without a scrape
but you kept it going till the sun fell down
you kept it going

Oh well uh you might think I'm delirious
the way I run you down
but somewhere sometimes
when you're curious
I'll be back around
oh I think that you're wild
and so-o uniquely styled

You might think it's foolish
this chancy rendezvous
(you might think I'm crazy )
you might think I'm crazy
(all I want is you)
all I want is you-a-oo
all I want is you
(all I want is you)
all I want is you

Blondie - La Rubia de Pop

Grupo neoyorquino de new wave creado en la gran manzana a mediados de los años 70 y liderado por la rubia Deborah Harry (nacida el 1 de julio de 1945 en Miami, estado americano de Florida), antigua cantante del grupo The Stilettos, formación en la que se encontraban también el guitarrista Chris Stein, el bajista Fred Smith y el batería Bill O'Connor. Este cuarteto serían los primeros componentes del grupo Blondie, apelativo derivado de un piropo que solía recibir la guapa Debbie cuando paseaba por las calles de Nueva York.

A los pocos meses de andadura se produjeron importantes variaciones en el grupo, Smith se unió a Televisión y abandonó la formación, al igual que el batería O'Connor. Sus reemplazos serían el bajista Gary Valentine y el batería Clement Burke, a los que se les añadió como nuevo miembro el teclista James Destri. En 1976 firmaron con Private Stock Records y publicaron su primer Lp titulado "Blondie" (1976). Tras este disco el bajo Valentine sería sustituido por Frank Infante, conformando finalmente el quinteto más reconocido de Blondie, quienes se mudaron a Chrysalis Records, compañía discográfica que reeditó su disco debut, marcado por un atractivo sonido propia de la new wave americana pero con reminiscencias de los girl groups de los 60.

El disco contenía temas conocidos de la banda como "X Offender" (su primer sencillo) o "In the flesh". Su segundo larga duración fue "Plastic Letters" (1977), otro estupendo album producido por Richard Gottehrer en el que contaban con la inclusión de un nuevo miembro, Nigel Harrison, que pasó a ocupar el puesto de bajista, mientras que Frank Infanti apoyó en el trabajo de guitarra a Chris Stein, Dentro de sus cortes, se encontraban los hits británicos "Denis", una versión de Randy & The Rainbows, y "(I'm always touched by your) Presence, Dear". Tambien el álbum sería un gran éxito en Inglaterra, país en donde alcanzarían mayor popularidad que en su tierra natal.

"Parallel Lines" (1978) fue su trabajo más completo y el mejor recibido comercialmente, ya que contenía el single "Heart of Glass", un número 1 en todo el mundo que coqueteaba con el sonido disco. El sonido de Blondie se alejaba de la new wave y se acercaba al pop más comercial, en parte debido a la producción de Mike Chapman. Otros temas como "Picture this", "Hanging on the telephone", "One way or another" o "Sunday girl" (número 1) convirtieron a Blondie en uno de los grupos punteros del pop-rock de finales de década y a su vocalista en uno de los iconos femeninos de los 70. "Eat to the beat" (1979) fue la continuación de su momento más brillante. Otro competente disco pop con elementos discotequeros producido de nuevo por Chapman que les aportó otro triunfo comercial en Gran Bretaña. "Dreamin", "Union City Blue" y "Atomic" (número 1) son los temás más populares del álbum.

Sin variar de estilo y con la producción de Giorgio Moroder grabaron "Call me", un sencillo aparecido en la película protagonizada por Richard Gere "American Gigolo" que les llevó de nuevo al primer puesto en las listas mundiales. El cambio de década supuso para Blondie otros grandes éxitos en formato single con "The tide is high" y "Rapture", canciones que venían incluidas en "Autoamerican" (1980), un disco inferior a sus obras precedentes que presentaba sonoridades procedentes del reggae y el rap, las cuales expandían su esencia pop. Tensiones crecientes entre los componentes de la banda, incursiones en solitario de Debbie Harry ("KooKoo") y una grave enfermedad de Chris Stein supuso el fin de Blondie como grupo en 1982 tras la publicación del flojo "The Hunter" (1982). Su principal imagen, la cantante Deborah Harry, prosiguió su carrera en solitario e hizo sus pinitos en la industria cinematográfica. Posteriormente se volverían a reunir los miembros originales para grabar "No exit" (1999), que suministraría otro hit a su larga carrera con el sencillo "Maria". Unos años más tarde publicaron "The Curse of Blondie" (2004) y el directo "Live by Request" (2004).

The B 52's - La Diferencia

Se unieron en octubre de 1976 en una noche de tragos en un restaurante chino de Athens, Georgia. El nombre lo tomaron del apodo sureño para el tocado de pelo exagerado que se levanta alto sobre la cabeza de las mujeres.

Su primera presentación fue en una fiesta de amigos el 14 de febrero de 1977. Luego, Fred Schneider, Kate Pierson, Keith Strickland, Cindy Wilson y Ricky Wilson; empezaron a viajar en carro todos los fines de semana a Nueva York para presentarse en cuanto local los recibiera. No pasó mucho tiempo antes de que se convirtieran en la sensación del mundillo post punk. Pronto llegó un contrato para grabar su primer disco titulado con el nombre del grupo y producido por Cris Blackwell. El LP vendió más de medio millón de copias empujado, los sencillos “Rock Lobster” y “52 Girls”. Lo asombroso de esto es que vendieron el disco y desarrollaron una base de admiradores exclusivamente a través del boca a boca, porque la radio prácticamente no los tomaba en cuenta. Ellos habían encontrado un hueco dentro de la audiencia, pero era un espacio que cada día se hacía más grande porque la gente quería cosas nuevas y frescas, y eso eran los B-52’s.

Sin quererlo se habían convertido en la punta de lanza del “New Wave” de los años 80. Junto a Blondie y los Talking Heads, los B-52’s siguieron la transformación del rock iniciada por el punk, ahora en declive. El lanzamiento de su segundo disco, “Wild Planet”, en 1980 les trajo más cobertura en la radio y más seguidores. Canciones como "Private Idaho", "Give Me Back My Man" y "Strobe Light". Con sólo dos LPs los B-52’s tenían ya un catálogo de canciones que los identificaba como los dueños de la música alternativa. “Mesopotamia” de 1982 y “Whammy!” de 1983 le dieron al grupo mucha presencia en MTV y en la radio. Fue en 1985 cuando guitarrista Ricky Wilson falleció de sida, enfermedad que en esa época era poco conocida.

Por eso su disco “Bouncing Off The Satellites” de 1986 fue dedicado a Willson. El disco tardó tres años en producirse y de él se extrajeron “Summer of Love” y “Wig”. Sin embargo, el disco no fue promovido con la fuerza necesaria, fundamentalmente porque el grupo estaba devastado por la pérdida y se cuestionaba seriamente seguir. Pasaron tres años de duelo antes que Keith Strickland saliera de la batería y pasara a la guitarra a componer la música del nuevo disco. El resultado fue un disco en el cual toda la agrupación metió cabeza y recibió la colaboración de los productores Don Was y Nile Rogers. “Cosmic Thing” (1989) fue el disco más vendido hasta ese momento y los convirtió en la banda de moda. El LP los devolvió a sus orígenes y de alguna manera fue el reconocimiento que no tuvieron al inicio. Con 5 millones de copias vendidas y dos canciones entre las 10 más calientes ("Love Shack" y "Roam"), el disco los colocó como la agrupación obligada en cualquier baile, además de presentarlos a una audiencia más joven.

Después de 18 meses de gira que incluyeron una presentación ante más de medio millón de personas en el Central Park de Nueva York, la banda decidió descansar y fue ese el momento que aprovechó Cindy Wilson para salir de la forma más amistosa. Entonces empezó su proyecto en solitario: un bebé. Kate Pierson empezó a colaborar con otros artistas, incluidos los R.E.M. que también son de Athens. Convertidos en un trío Fred, Keith y Kate lanzaron “Good Stuff” en 1992. Al mismo tiempo dedicaron su tiempo a trabajar por el tema del ambiente, el sida y los derechos de los animales, quizás es por eso que disco contiene tantas referencias a temas políticos y sociales. Ocasionalmente Cindy Wilson se une a la formación para salir de gira y colaborar en algunas grabaciones como las que se incluyen en el disco de éxitos “Time Capsule” de 1998. Con el lanzamiento de su colección de éxitos de dos discos titulada “Nude on the Moon: the B-52's Anthology” en 2002, empezaron a recoger lo sembrado y a recibir crédito por su aporte a la música. Han sido mineros de la cultura pop estadounidense y han creado un estilo muy particular que los mantiene vigentes sin importar la edad del público. En palabras de Fred Schneider “Solo hicimos lo nuestro que es una combinación de rock and roll, funk, Fellini, presentador de programas de juegos, maíz y mysticismo.” Y agrega, Keith Strickland “Quizás recién la gente empieza a entender lo que hacemos y lo que hemos venido haciendo todo este tiempo. El mensaje subyacente de los B-52’s es, ‘está bien ser diferente’”.


Discografía:

The B-52's
Wild Planet
Party Mix
Mesopotamia
Whammy!
Bouncig of the Satellites
Cosmic Thing
Good Stuff
Time Capsule


Rock Lobster (Letra)

Rock Lobster
We were at a party
His ear lobe fell in the deep
Someone reached in and grabbed it
It was a rock lobster

Rock Lobster
Rock Lobster

We were at the beach
Everybody had matching towels
Somebody went under a dock
And there they saw a rock
It wasn't a rock
It was a rock lobster

Rock Lobster
Rock Lobster

Rock Lobster
Rock Lobster

Motion in the ocean
His air hose broke
Lots of trouble
Lots of bubble
He was in a jam
S'in a giant clam

Rock, Rock, Rock Lobster
Down, down

Underneath the waves
Mermaids wavin'
Wavin' to mermen
Wavin' sea fans
Sea horses sailin'
Dolphins wailin'

Rock Lobster
Rock Lobster

Rock Lobster
Rock Lobster

Red snappers snappin'
Clam shells clappin'
Muscles flexin'
Flippers flippin'

Rock, Rock, Rock Lobster
Down, down


Lobster
Rock
Lobster
Rock
Let's rock!

Boy's in bikinis
Girls in surfboards
Everybody's rockin'
Everybody's fruggin'
Twistin' 'round the fire
Havin' fun
Bakin' potatoes
Bakin' in the sun

Put out your noseguard
Put on the Lifeguard
pass the tanning butter

Here comes a stingray
There goes a manta-ray
In walked a jelly fish
There goes a dog-fish
Chased by a cat-fish
In flew a sea robin
Watch out for that piranha
There goes a narwhale
Here Comes a Bikini Whale!

Rock Lobster
Lobster Rock Lobster
Rock Lobster
Lobster Rock Lobster
Rock Lobster
Lobster Rock Lobster

Van Halen - Los Hermanos

Edward Lodewijk Van Halen, (nacido el 26 de enero de 1955) es un guitarrista y pianista, fundador de la banda de rock Van Halen; considerado por muchos como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos en su género musical.

La biografía de Eddie va ligada a la de su banda, Van Halen. Los hermanos Van Halen, Ed y Alex, nacieron en Holanda y en el año '67 se trasladaron a California. Ahí, su padre, un músico de Jazz, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano. Sin embargo al crecer fueron cautivados por el Rock lo que llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, con el tiempo fueron cambiando sus instrumentos. Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela. (sobra decir que fue inspirado por guitarristas como, Jimi Hendrix, Brian May y Jimmy page). Después conocieron a DLR (David Lee Roth), quien cantaba en The Red Balls Jet y que impuso fuerza al grupo. También en la Secundaria estaba Michael Anthony quien dijo:" Todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo", y le sacó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mamooth en 1973 y se cambiaron el nombre a Van Halen, desechando la idea de Rat Salad, en 1974.

Camino a la fama

Empezaron a tocar en clubes nocturnos durante tres años y, un día, Gene Simmons (Bajista de KISS), les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes en un principio no los aceptaron, y luego hicieron toda su discografía. El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos como: Runnin´ with the Devil, Eruption, You Really Got Me, Ain't Talkin 'bout Love, Atomic Punk y Jamie's Cryin'.Ahí corría el año '78. Al año siguiente sacaron la continuación del primer álbum (Van Halen II) que tuvo los éxitos de: Dance the Night Away, You're No Good, etc. Eso fue en 1979. En 1980 salió el tercer disco de la banda, Women And Children First, que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard. Dos años más tarde salió el disco Fair Warning, cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda: Unchained.

Después de un año, 1983, salió Diver Down, disco que recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: (Oh) Pretty Woman, Cathedral, Big Bad Bill (Is Sweet William Now), etc. Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It. Esto provocó mucho a DLR, que para vengarse grabó su proio disco en solitario sin avisar nada a los otros miembros de la banda. DLR dijo que preferiría seguir con su carrera de solista para ganar más dinero y, por este comentario fue expulsado del grupo.

Después llamaron a Sammy Hagar. Sammy era un cantante que con su primer disco con "mini-éxitos" había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que DLR nuncá trató de hacer. Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garage y había un auto muy lujoso. Éste, extrañado preguntó quién era e dueño y el propietario del garage le dijo:" Es de un tal Sammy Haggar. ¡Hey!, lo deberías tener en tu banda." y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar. Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones. Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: Why Can't This Be Love, Dreams, Love Walks In y Best Of Both Worlds.

Dos años después, en 1988 salió OU812, discó que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen. De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: When It's Love, Finish What Ya Started, Feels So Good, Cabo Wabo, etc. Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina. Cubriendo distintas partes del globo. Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada un de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: One Way To Rock, Give To Live (Sammy Solo) y Won't Get Fooled Again.

Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance. En este disco se encuentran los éxitos: Can't Stop Lovin' You, Don't Tell Me (What love Can Do), Not Enough, etc. Después, Eddie tuvo problemas con el alcohol y Sammy generó un a polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allá las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica, cuando Ed, mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda. Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock, A él se le debe el desarrollo y popularización de la técnica del tapping, tan utilizada ahora por guitarristas de todos los estilos.

Guitarras

Eddie utiliza guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Kramer o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras. En los últimos años utilizó es un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), en 2005 la marca Charvel, hizo una serie que imita las guitarras de Eddie de los años 80, En 2007 sale a la venta una replica de la guitarra Frankenstat con la marca EVH Gear fabricada por Fender.

Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite desafinar la 6ta cuerda de la guitarra (E) a D y viceversa en un solo movimiento.

Soda Stereo - La Trilogía del Rock

Un día del año 1979, dos estudiantes de publicidad de la Universidad de El Salvador (Buenos Aires), llamados Gustavo Adrián Cerati (nacido el 11 de agosto de 1960 en Urquiza, Buenos Aires) y Héctor Pedro Juan Bosio (nacido el 1 de Octubre de 1959 en San Fernando, Buenos Aires), se cruzaron en un pasillo tarareando Regatta de Blanc de The Police, disco preferido del momento de ambos.

Lo concreto es que los dos tenían un grupo de rock. Dos años después, ya consolidada la amistad, Gustavo y Zeta coincidieron en un grupo llamado Stress que tuvo cortísima vida: llegó a hacer solo una actuación. Ya en el 82, conocieron al baterista Carlos Alberto Ficicchia, nacido el 27 de Marzo de 1963, en Núñez (Buenos Aires). Después de probar sin éxito a un cuarto integrante –entre ellos Ulises Butrón, Daniel Melero, Eduardo Rogatti y Richard Coleman. Soda Stereo quedó en lo de siempre, un trío: Gustavo, Zeta y Charly . Comenzó su exitosa carrera en el año 1982 como herederos directos de la new wave y protestando por la pasada guerra de las Malvinas, el nombre Soda (por lo burbujeante) Stereo (por que sus oyentes podían encontrar dos canales complementados, uno: el de la calidad y el otro canal del Stereo fue la masividad) sonaba ridículo, así también como el sonido. Pero no le fue nada mal, ya que al poco tiempo fue contratada por conocidos bares de la época como: Zero (donde también tocaba Sumo, que en una ocasión subió al escenario Luca Prodan a tocar con ellos y donde una vez, charlando con sus integrantes, Roberto Petinatto, en ese entonces saxofonista de Sumo, les había augurado que serían Los Beatles argentinos), Einstein, Stud Free Pub, Le Paradise, Caras Mas Caras, Prakultural y la Esquina del Sol. "Nuestro debut fue en un desfile de modelos de la discoteque Airport, que quedaba cerca de donde ensayábamos en Buenos Aires. Nadie nos dio bolilla.

La segunda presentación sí fue importante, en un pub muy chiquitito. El grupo que tocaba en ese momento falló, y nos llamaron a nosotros justo cuando estábamos comiendo tallarines en la casa de Charly, que quedaba muy cerca." Contaba Gustavo Cerati sobre los primeros shows del grupo. En el otoño de 1983, Soda Stereo le grabó un demo a un periodista deportivo llamado Marcelo Tinelli, uno de los primeros en difundir el comienzo del grupo en las radios. La primera presentación importante de Soda stereo fue en febrero de 1984, en Marabú donde también tocaron Los abuelos de la nada, Los Twist y Virus. Allí fue donde les ofrecieron un contrato. Y luego de poco más de un año de espera, llegó el primer disco llamado "Soda Stereo". Con el sello "Sony Music" y producido por Federico Moura, líder y cantante de entonces del grupo "Virus". La banda que tocó en el disco era: Gustavo en voz y guitarra, Zeta en bajo y coros, Charly en batería, Daniel Melero en teclados y "el Gonzo" de los Twist en saxo. En un disco que retrata con humor y percepción los valores de la naciente posmodernidad criolla: la obsesión por la silueta y el hedonismo (en temas como "Dietético" –título de su primer video clip, "Mi novia tiene bíceps", "Afrodisíacos"), la omnipresencia de la televisión (en temas como "Sobredosis de TV", "¿Por qué no puedo ser del jet-set?") y las tensiones de los últimos años de Guerra Fría ("Un misil en mi placard"). Zeta Bosio decía: "Entusiasmo e incertidumbre. No, incertidumbre no, entusiasmo. Alegría. Tocábamos, no iba a ver gente y estábamos grabando un disco. Con eso nos bastaba." Cerati decía "Federico Moura fue muy importante porque en la Argentina no se tenía ni idea de lo que era un productor artístico. Un disco caótico pero el placer de escuchar tu voz en un cassette era grande", acerca del primer disco, "Nuestra música es dietética. Tratamos de mantener los cuerpos sanos y las mentes desaceleradas. Proponemos la vuelta al baile". Con ese álbum, el trío pasó de promesa a revelación, que había vendido 40 mil copias y fue presentado en el teatro Astros en diciembre de ese año. El show ofrecía una propuesta estética que ya se deslumbraba como novedosa: escenografía, vestuario y maquillaje perfilaban un estilo que haría historia. A fines de diciembre se presentaron en la Esquina del Sol y tocaron los temas: Afrodisiacos, Sobredosis de TV, Tele-K, Te hacen falta vitaminas, Danza rota, Ecos, Un misil en mi placard, Dema-Gogo (un tema inedito), Mi novia tiene biceps, Dietetico, ¿Porque no puedo ser del jet-set? y Vitaminas (bis).

Soda stereo seguía recorriendo el circuito underground de Buenos Aires. En junio de 1985 volvieron al Teatro Astros, con un escenario decorado con una playa de plástico, con palmeras, reposeras y demás elementos, respondendo irónicamente a quienes los tildaban de "plásticos" y "pasatistas". En julio, se presentaron en el Pinar de Rocha tocando los temas: El tiempo es dinero, Afrodisiacos, Nada personal, Vitaminas, Tratame suavemente, Estoy azulado, Ni un segundo, Un misil en mi placard, Tele-K, Cuando pase el temblor, Dietético, Jet-set y Sobredosis de TV. 1985 fue el año de su segundo disco, "Nada personal", donde llegó la hora de la consagración. El grupo, ya más cercano del dark The Cure que del pop burbujeante, mostró una rápida maduración. El bajista decía: "Sigue la alegría, pero con un poco más de responsabilidad. Empezamos a explorar sonidos". Luego el líder decía: "Con el avenimiento de las cámaras de reverberación y los trucos sonoros de los 80 empecé a aprender a hacer canciones". Y empezó a fotografiar con originalidad un momento cruzado de pasiones y soledades: "Comunicación sin emoción, una voz en off con expresión deforme" decía el tema central que le daba el nombre al disco. "Busco algo que me saque este mareo, busco calor en esa imagen de video. Nada, nada personal". El trabajo de imagen, un rubro en el que fueron claramente pioneros, les permitió darse a conocer mejor y más rápido. Soda fue uno de los primeros en darle tanta importancia a los videoclips. El de "Cuando pase el temblor" en el Pulcará de Tilcara (Jujuy) y al final en la presentación del disco en Obras ante más de 20 mil personas y junto a una orquesta (toda una innovación para la época y ganador del premio al mejor video conceptual en México), el carnavalito-pop de "Nada personal", los mostró como una banda de look ¿londinense? pero latinoamericana en esencia. "En nada personal nos pusimos las pilas e hicimos algo tremendo: queríamos conseguir un sonido grosso. Entonces llevamos un equipo de sonido para tocar en vivo y lo instalamos en el estudio Moebio. Eso contribuyó al salto de sonido". Decía Cerati. "Para los recitales tratamos de reunirnos con gente que tenga onda con nosotros, para que las cosas salgan bien o mejor de lo que esperamos, por eso hicimos videos con super calidad y nuestros discos suenan bien. Queremos centrarnos en lo que es la creatividad en sí". Luego, Alberti decía: "Me reuní con los chicos y empezamos a formar Soda Stereo y realmente me di cuenta de que se podía. La primera vez que me junté con ellos, el primer día, hablamos un rato y les dije: Nosotros vamos a cambiar la historia, vamos a hacer lo que ningún grupo ha hecho. Los tres confiábamos en el proyecto y éstos resultados son la recompensa de todo el esfuerzo que hicimos". "No nos encabillamos en un género. Queremos divertirnos y no quedarnos quietos nunca". En marzo y en octubre, la banda se presentó en los festivales "Chateau Rock" y "Rock & Pop", respectivamente, y la popularidad del grupo se propaga. Ese último disco provocó la primer gira de Soda por Latinoamérica y comenzó una escalada que llegaría a posicionarla como la banda más popular y trascendente del continente. Fue la primera banda de rock argentina que tocaba fuera del país. "Nada personal fue una explosión en Argentina y entonces entre nosotros y Alberto Ohanian, el manager de entonces, decidimos viajar a Chile a ver qué pasaba. Fuimos a todas las radios, hicimos notas con diarios y revistas y estaban alucinados con nuestros peinados y maquillaje". A principios de 1986 tocaron en el Teatro Radio City en Mar del Plata. En abril se presentan por primera vez en el mítico estadio del rock nacional Obras Sanitarias con invitados especiales como Fabián Von Quintero en teclados, Richard Coleman en guitarra y el Gonzo en saxo, donde tocaron los siguientes temas: Sobredosis de TV, Imagenes retro, Ecos, Si no fuera por, Juego de seduccion, Un misil en mi placard, Obsevándonos (satelites), Danza rota, Te hacen falta vitaminas, Afrodisiacos, Tratame suavemente, Cuando pase el temblor, Estoy azulado, Tele-K, Dietetico, Jet-set y Nada personal. También tocaron en un Festival llamado Rock in Bali, donde los temas Juego de seducción y El temblor los cantaron en inglés y donde presentan dos temas que serían incluidos en su próximo disco: Prófugos y Persiana americana. Y ese año llegó el tercer disco, "Signos". Uno de los mejores trabajos de Soda. Con temas clásicos como "Persiana americana" y "Signos". Con los siguientes músicos invitados: Fabian Von Quintero en teclados, Celsa Mel Gowland en coros, Richard Coleman en guitarra, Diego Urcola en trompeta, Pablo Rodriguez en saxo alto, Sebastián Schón en saxo tenor y Marcelo Ferreira en trombón. Para la crítica no solo fue un avance sustancial con respecto a su producción anterior, sino que significó el indudable talento de Gustavo Cerati como compositor, guitarrista y cantante y la definitiva cohesión de un trío que tenía más que ofrecer que antes. "Signos" fue disco platino en Argentina y doble platino en Chile. Cerati le contó a la televisión: "Signos fue el disco que más música pusimos, arrancamos de cero, es el más natural." Y también dijo que "El resultado de una ansiedad más tortuosa. Estaba solo y era un momento muy raro, nos costaba ver la belleza y lo tortuoso nos parecía lo más interesante. Vivíamos bastante drogados, parecía que estábamos lejos del arte y sin embargo fue uno de nuestros discos más profunfos, quizás porque no la estábamos pasando bien. Inaugura una parte épica del grupo con canciones como Prófugos".

En enero de 1987 volvieron a tocar al Festival Rock in Bali en Buenos Aires. También se presentaron en Superdomo (Mar del Plata) para el programa Musica Vinilo. En mayo de ese año ocurrió una tragedia. Soda se presentaba en una discoteca de San Nicolás, donde un derrumbe terminó con la vida de cinco chicos. Con una carga emocional muy fuerte aún sin digerir y un estado de ánimo algo apagado, una semana después van a tocar a Obras, con Daniel Sais en teclados, presentando los temas: Signos, Estoy azulado, Sin sobresaltos, No existes, Final caja negra, Juego de seducción, Danza rota, El rito, Cuando pase el temblor, Persiana Americana, Sobredosis de TV y el Vita-set (Vitaminas - Jet-set). En junio tocan en Superdomo (Mar del Plata). Cerati contaba: "Al principio nosotros teníamos como idea salir a tocar a todos lados, pero no pensábamos en Latinoamérica. Después nos llegaron noticias de que en Perú un tema estaba primero en el ranking, porque a un loco se le ocurrió pasarlo mucho por la radio, partimos a Perú... Así fue pasando, esa es la verdad". Contaba Cerati. El verdadero proceso de la conquista Latinoamericana la contó así Cerati: "No digo que no hubo ningún tipo de planificación, porque nuestro representante tomó aviones, fue, avanzó, ofreció. Pero el éxito real fue otro proceso: de Argentina saltamos a Chile, de ahí a Perú, a Paraguay; de Perú se contagió Ecuador, de ahí Colombia, como algo que sube por su propia presión". "No sé como sucedió, pero cuando volvimos a Chile fue una cosa increíble: se había producido realmente una soda manía. Era una locura: mil personas día y noche en la puerta del hotel, actuaciones para 30 mil personas en pueblos desconocidos del Sur... En fin, una cosa que nos superaba por completo. Después tocamos en el Festival de Viña del Mar, básicamente porque The Police lo había hecho unos años antes. Pensamos: Bueno, no está tan mal, tiene cierto prestigio. Ese show de televisión lo vio todo Chile y buena parte de América Latina. Es como si te dijera acá ni Tinelli. Eso nos llevó a un lugar de popularidad increíble. Lo mismo pasó en Perú. En Venezuela tocamos en algunos lugares muy chicos. En México fuimos en tren de promoción. Cuando volvimos más tarde, pasó igual que en Chile: explotó". Zeta dijo: "Latinoamérica. Los viajes, las aventuras. Iba a ser una película, un documental, pero no alcanzó el presupuesto". En febrero de ese año participaron en el Festival Viña del Mar en Chile, en abril batieron récords de público debutando en Paraguay y a fin de año tocan en México para 36.000 personas en sus once recitales por todo el país. Ese año hicieron 22 shows en 17 ciudades latinoamericanas cerrando la gira ante 25 mil personas en Obras, dieron contenido al siguiente álbum del grupo, "Ruido blanco", con Daniel Sais como invitado, que dejó testimonio de cómo sonaba el grupo por entonces y también funcionó a la manera de un primer grandes éxitos.

Finalizada la gira llamada Signos Tour o Ruido blanco, en Junio de 1988 Soda viaja a Nueva York para grabar "Doble vida". Producido por Carlos Alomar, guitarrista puertorriqueño que había trabajado con John Lennon, David Bowie, Paul Mc Cartney, entre otros. Con hits como "En la ciudad de la furia" (con un video filmado en las calles de Buenos Aires y ganador como mejor video del año de la cadena televisiva MTV), "Lo que sangra (la cúpula)" y "Corazón delator" atrajeron más al público local. En cuanto a las presentaciones en vivo, tocaron en Superdomo (Mar del Plata), en el programa Badia y companía, en La puerta de Alcala, Mexico D.F en septiembre, en Monumental Plaza de Toros Monterrey, Nuevo Leon, Mexico en octubre, en Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C., Mexico en noviembre, en Buenos Aires, la presentación del disco, se celebró ante 25 mil personas en las adyacencias del estadio Obras, a principios de Diciembre del 88, con la participación de Alomar en guitarra y con varias pantallas de video. Los acontecimientos de desorden militar que tuvieron lugar durante ese fin de semana, no lograron opacar el brillo y esplendor de Soda. La lista de temas fue: Juego de seducción, La ciudad de la furia, Lo que sangra (La cúpula), Estoy azulado, En el borde, El cuerpo del delito, Languis, Doble vida, Danza rota, Corazón delator, El ritmo de tus ojos, Pic-nic en el 4to "B", Final caja negra, El tiempo es dinero, El rito, Signos, Cuando pase el temblor, Sobredosis de TV. El 25 de diciembre tocaron en la disco La Casona y el 27 cierran el año en la avenida 9 de Julio tocando para el festival "Tres días por la democracia", el evento más multitudinario de la época en la Argentina, con un concierto ante 150 mil personas, donde primero tocaron, entre otros, Baglietto, Charly García, Ratones paranoicos, Fito Paez y Luis Alberto Spinetta. Juego de seducción, La ciudad de la furia, Lo que sangra (La cupula), Pic-nic en el 4to. B, Doble vida, Danza rota/good times, Corazon delator, El ritmo de tus ojos, Final caja negra, Signos y Cuando pase el temblor fueron los temas del recital que posicionó al grupo como la gran bestia pop de la década. Aunque 10 años después de grabar el disco dijo: "Escucho Nueva York, ahí es uno de los discos que menos me gusta, nuestro lado más funky y uno de los menos profundos a pesar de que tiene algunos clásicos".

La única novedad discográfica de Soda en 1989 fue el maxi "Languis" con sólo cuatro temas, tres de "Doble vida" y uno nuevo: "Mundo de quimeras". En ese año superan el primer millón de discos vendidos y emprenden su quinta gira por Latinoamérica, en la cual a los países ya visitados se le suma Estados Unidos. En octubre tocan en la gira Languis Tour o Mundo de quimeras Tour en Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C., México. El trío llegó a 1990 con su séptimo disco, "Canción animal", grabado y mezclado en Miami, Estados Unidos, un disco notable –para muchos el mejor- que lo acercó más que en ningún otro momento a las raíces del rock argentino. Con la vuelta al grupo de Daniel Melero y con músicos invitados como: Fabián "Tweety" Gonzalez y Andrea Alvarez. En ese momento Soda ya ocupaba un lugar en la música nacional que nunca pudo serle arrebatado. Con videos como "Cae el sol" y "de Música Ligera" al frente, esta obra posibilitó que la banda volviese a las rutas fuera del país, donde a los otros países se le suma Puerto Rico. Mientras, Cerati decía: "Es un disco más rockero. Es el reflejo de que somos un grupo pop, pero absorbimos la cultura rock. Donde más nos distorsionamos, uno de nuestros puntos más altos. Creo que es un disco muy de los ´90. Hay un espacio entre el pop y el rock and roll, Soda estaría en el medio de esos dos géneros, donde hay muchas influencias". Y como local en la ciudad de la furia siguió siendo especialmente fuerte: En octubre, Soda emprende la gira nacional mas espectacular que recuerde la historia del rock en Argentina, llevando durante dos meses a 30 ciudades del interior del país varias toneladas de equipos, dos escenarios móviles y una troupe de 70 personas a través de un recorrido de 14 mil kilómetros. En noviembre se presentan en Estadio Atenas La Plata. En diciembre cierran el año con una recordada presentación ante 45.000 personas en el estadio Velez Sarsfield donde tocaron los temas: En el séptimo día, Juego de seducción, Hombre al agua, Un millón de años luz, Canción animal, Sueles dejarme solo, De música ligera, Lo que sangra (La cúpula), Final caja negra, Corazón delator, En la cuidad de la furia, Entre caníbales, Pic-Nic en el 4to. "B", En el borde, Te para tres, Cuando pase el temblor, Un misil en mi placard, Sobredosis de Tv y De música ligera (bis). Luego la Gira Animal seguía por Punta del Este, Venezuela, Palacio de los Deportes (Mexico D.F.), Monumental plaza de toros Monterrey, N.L. (Mexico) en febrero, Auditorio del Estado Mexicali, B.C. (Mexico), Palacio de los Deportes Mexico, D.F, (Mexico) en marzo, en junio en un ciclo de 14 shows llenan el Teatro Gran Rex (otro de los récords históricos que logró Soda Stereo), donde tocaron: Hombre al agua, Sin sobresaltos, Un millón de años luz, Canción animal, 7mo. día, El rito, Trátame suavemente, No necesito verte, En el borde, Final caja negra, Corazón delator, No existes, Lo que sangra (La cúpula), En la ciudad de la furia, Te para tres, En camino, De música ligera, Cae el sol, I want you (She's so heavy), Cuando pase el temblor, Persiana americana, Prófugos, Signos y Sobredosis de TV. Y como testimonio de los recitales en el teatro, en el año 1991, fue editado el segundo maxi, "Rex Mix" con registros de esas actuaciones, un tema nuevo, "No necesito verte (para saberlo)" y algunos mixes. "Un pastiche difícil, una combinación un poco rara de canciones, pero un mundo nuevo. El paso previo a Dynamo". Decía Cerati acerca del disco de mixes. En cuanto a la gira animal, continúan shows en Colombia, Venezuela, producción de clips y cierran el año, nuevamente, en la avenida 9 de Julio al aire libre, pero esta vez en el cierre del ciclo de conciertos "Mi Buenos Aires Querido", en una de sus mayores hazañas, ante una multitud de 250.000 personas. Los temas tocados fueron: De música ligera (introducción), Hombre al agua, Sin sobresaltos, Un millón de años luz, Canción animal, (En) El 7mo. día, Trátame suavemente, En el borde, Final caja negra, Corazón delator, No existes, Lo que sangra (La cúpula), En la ciudad de la furia, Te para tres, En camino, Cae el sol, I want you (She's so heavy), Cuando pase el temblor, De musica ligera, Persiana Americana, Prófugos, No necesito verte (para saberlo) y Sobredosis de TV. Luego, quizá para escapar de ese gigantismo que los abrumaba, Cerati graba su primer disco fuera del grupo. Uno a dúo con su viejo amigo Daniel Melero, que se llamó "Colores santos".

A principios de 1992, presentan shows en los estadios de las principales ciudades de Argentina (como el Estadio Mundialista de Mar del Plata). En mayo emprenden una gira a España con conciertos en Barcelona, Sevilla, Valencia y Madrid. Y el proyecto Soda Stereo siguió en pie. Tras la gira por España e insistentes rumores de su disolución, en septiembre, el trío se encerró en su propio estudio, se puso a jugar con las máquinas y la distorsión y surgió "Dynamo", el disco más áspero de su carrera (rock sónico), pero también uno de los más atractivos que, según la crítica, los ubicó nuevamente en una actitud de vanguardia. Con otra colaboración de Daniel Melero, Tweety Gonzalez y Flavio Etcheto, entre otros y más instrumentos como MPC-60, sampler, sintetizador y padanth voice. Sobre este período, dijo Cerati un tiempo después: "Decidimos cambiar el rumbo porque llegó un momento en que no quisimos seguir inflando más al monstruo que habíamos creado. Las 250.000 personas en la 9 de Julio fueron algo problemático porque, ¿adónde íbamos a ir después? Ya estábamos medio podridos y cansados del grupo y yo personalmente tenía pocas ganas de seguir. Pero después encaramos el desafío de no perder las ganas de hacer música. Juntarnos fue duro pero nos sorprendió lo que fue surgiendo. Fue una nueva experiencia, además de grabar en nuestro propio estudio. Por medio de la música surgieron las canciones y fue una puerta para hacer otras cosas. Los grupos más chicos ven a Soda Stereo como una punta para hacer cosas que no se hacen dentro del pop, entonces Soda Stereo está en el centro y eso es lo que nos asusta y con este disco nos corremos un poco al costado. Pero "Dynamo" no está por debajo de otros discos como "Nada personal" en cuanto a ventas". El disco fue presentado en Obras, los días 18, 19, 20, 22, 23 y 25 de diciembre de ese mismo año con un show soberbio, que incluyó un par de gestos simbólicos que hablan del espíritu inquieto que siempre movió al grupo. Primero: a la misma hora que Soda tocaba su disco en Obras, a apenas 10 cuadras de allí, en la cancha de River, Serú Girán concretaba su cacareada pero poco feliz reunión después de 10 años. Lo nuevo versus lo viejo: esa parecía la opción. Segundo: para números de apertura, el trío eligió a cuatro representantes de la –por entonces flamante- movida sónica. Babasónicos, Juana la Loca, Martes Menta y Tía Newton eran frecuentes animadores de la escena under de Buenos Aires, y su participación como teloneros de Soda Stereo les llegó como una bendición. Fue un gesto generoso que funcionó como doble legitimación, pues por un lado Soda presentaba en sociedad a sus herederos, y a su vez probaba que su brusco cambio estético tenía estrecha relación con el sonido de la nueva generación. Apoyado por un diseño de luces poco habitual (el estadio teñido de rojo y la coreografía –con bailarina y una gran pelota colorada- para "Luna roja" es una imagen que quedará en la memoria), pantallas de video atrás y en el techo del escenario, y un sonido también poco común para el lugar, Soda desafió a sus fans tocando casi todas las canciones de "Dynamo" y muy pocas de su viejo repertorio. Las bases secuenciadas, las capas, las capas de guitarras y las letras decididamente ambiguas generaban un clima hipnótico sacudido por furiosos golpes de electricidad que sólo daban tregua en los escasos momentos en que el trío decidía viajar al pasado con temas como "En la ciudad de la furia" o "Cuando pase el temblor". La lista completa fue: En remolinos, Primavera 0, Secuencia inicial, Juego de seducción, Camaleón, Signos, Luna Roja, Toma la ruta, En el 7mo dia, Fue, En camino, Nuestra Fe, Cuando pase el temblor, Ameba, Claroscuro, La ciudad de la furia, Texturas, Hombre al agua y de Música Ligera. Cerati, Zeta y Charly –más Tweety González en máquinas y teclados y Flavio Etcheto en trompeta y guitarra- sonaron con precisión de computadora y a un volumen brutal. Y pusieron al rock argentino en la órbita de los sonidos que –comprobaríamos más adelante- alimentaron la música de la década. Y luego vino otra gira por Latinoamérica: Paraguay, Chile, Venezuela y una gira de un més y medio, empezando en marzo, en México (en lugares como la Plaza de Toros Calafia Mexicali, B.C. o el Gimnasio Juan De La Barrera Mexico, D.F.) hasta abril de 1993.

Luego de "Dynamo", llegó "Zona de promesas" con mixes de los años 1984 a 1993 ("En la ciudad de la furia", "Cuando pase el temblor" y "Primavera 0", entre otros) y sólo un tema nuevo, el que le da nombre al disco. En 1993 la intención de continuar juntos no dio para mucho más. Cerati hizo su primer disco solista, "Amor amarillo", con la colaboración de Zeta Bosio, quien luego se dedica a la producción artística de grupos nuevos como "Aguirre" y "Peligrosos gorriones" y Charly Alberti produjo "Plum", el disco debut de su novia de entonces, la modelo Déborah de Corral. Entre ese año y el 94 el grupo estuvo virtualmente separado. Pero cuando parecía que el final estaba decretado, a fines del 94 Soda se juntó de nuevo y Charly Alberti decía: "Nos reencontramos con ganas de tocar de nuevo para ver qué pasa". Y Cerati dijo: "Sueño stereo es un disco que nos engloba, que tiene guiños a todo lo que habíamos hecho antes. Nos aislamos de lo que estábamos acostumbrados en los últimos años, la familia, y nos encerramos como en otras épocas para hacer el disco porque si hacíamos las dos cosas (prestarle atención a sus familias y hacer el disco) al mismo tiempo nos hubiera llevado un montón de tiempo y hubiera sido un "Disco eterno" (nombre de uno de los temas del disco)". Y Zeta decía: "Este disco es el reconocimiento de que somos clásicos". Entonces, a fin de junio, Soda renació con un disco "autorreferencial", grabado en Londres y titulado "Sueño stereo", que a 15 días de su edición en Latinoamérica, se convirtió en disco platino. Esta vez con el sello "BMG", ya que en los últimos años no había buena relación con la gente de "Sony Music". Utilizando, además de los instrumentos de "Dynamo", violines, cello y la computadora que pasa a tener más importancia. Con videos como "Ella usó mi cabeza como un revolver" y "Zoom", el cual fue grabado con fans de Soda en el planetario. Y fue presentado en septiembre, nuevamente en un ciclo espléndido en el Teatro Gran Rex, llenándolo durante 9 días y con una crítica que los llenaba de elogios. Los temas que tocaron fueron: Planta, Disco eterno, Ella uso mi cabeza como un revolver, Danza rota, Juego de seduccion, Persiana americana, Terapia de amor intensiva, Entre canibales, Final caja Negra, Hombre al Agua, Crema de estrellas, El ojo de la tormenta, En remolinos, Primavera 0, Fue, Pasos, Signos, De musica ligera, Cuando pase el temblor, Zoom, Un millon de años luz, La ciudad de la furia, Paseando por Roma y Profugos. En Noviembre se presentan en la Plaza Moreno de La Plata ante 200.000 personas por el Aniversario de La Plata. Luego tocaron en Venezuela. Ese mismo mes tocan en el Teatro Monumental de Santiago de Chile.

En 1996 la gira por Latinoamérica continuaba en: Colombia, Perú, Honduras, Panamá, Costa Rica, México (donde tocaron en Parque fundidora, Monterrey y en el Teatro Metropolitan de Mexico D.F.) en febrero y Miami (Estados Unidos) en marzo. Ahora sí, los tres podían dar por cerrado el círculo del primer sueño de sus vidas. Cuando finalizaba la gira de "Sueño stereo", Soda mostró una faceta poco conocida, la acústica, con una actuación en el ciclo "Unplugged" de MTV, en la ciudad de Miami el 12 de Marzo de 1996, que dejó un disco, "Comfort y música para volar" o "Soda Stereo Plugged" con estos músicos invitados: Tweety Gonzalez, Pedro, Diego y Ezequiel Fainguersch, Andrea Echeverry y Iain Baker. En el recital grabado en vivo, tocaron temas viejos como "En la ciudad de la furia" (en una nueva versión), "Entre caníbales", "Té para tres", los últimos temas: "Ella usó mi cabeza como un revólver", "Pasos" y "Ángel eléctrico" y tres temas nuevos: "Planeador", "Coral" y "Superstar". "¿Cuál es la joda de agarrar una guitarra acústica y tocar lo mismo que hacés con una guitarra eléctrica? Más que Unplugged, entonces, pensamos en algo cool, en versiones más adornadas de nuestras canciones sin traicionarles el espíritu". Decía Cerati. Zeta dijo después: "Una buena excusa para hacer un disco. Ya estábamos en otra etapa y había que reflejarla. La idea de Comfort y música para volar yo la asocio más con el placer que con el aburguesamiento". Luego de ese disco, todo se queda en un silencio solo interrumpido por versiones no oficiales de la separación del grupo. En octubre se presentan en el estudio de la radio argentina Rock & Pop. En 1997, "No estábamos entusiasmados con seguir dando pasos juntos, pero no es una separación enemistada" dijo Cerati. "Una diferencia entre nosotros y otros grupos que se separan, es que nosotros no nos agarramos a trompadas." Decía Charly. "La disolución de Soda es atribuible en gran parte a la falta de comunicación entre nosotros. Y bueno, ya es tarde... Soda Stereo es Soda Stereo y nadie nos puede quitar esa condición. Cada grupo ocupó su lugar y Soda llegó donde tenía que llegar. Creo que cada uno entregó lo suyo. Yo cumplí todos los sueños de mi vida. Peleo por eso a morir, trabajo a más no poder, conozco mis miles de limitaciones, pero trabajo para conseguir lo que quiero. Soda somos tres personas. Yo no podría haber hecho nada si no hubiera tenido a un Gustavo Cerati ni a un Zeta Bosio, nada. Ni ellos sin mí. Definitivamente eso fue Soda Stereo: La unión de 3 personas inteligentes. Se trata de que esta separación sea lo menos traumática posible, porque no tengo ganas de pelear ni con Gustavo ni con Zeta, ni nada. Son como mis hermanos, crecí junto a ellos." Continuaba Alberti. Zeta Bosio dijo: "Nos parecía mentira que las cosas salieran tan bien, porque hacíamos lo que realmente sentíamos. En ningún momento adoptamos una pose y eso fue fundamental para que todo saliera como salió. Creo que se nos fue la mano. Llegamos mucho más lejos de lo que nos habíamos propuesto en un principio. No se muy bien lo que voy a hacer, pero voy a tratar de que explote algo. Realmente hay que tener mucha energía para armar una banda, y voy a esperar que esa energía llegue, no voy a forzar nada. No voy a borrarme. La música me fascina y no me quiero privar de semejante placer. En un momento nos dimos cuenta de que estábamos cayendo en el mismo vértigo que estabamos generando. Nos estaba comiendo. En nuestra vida, Soda fue algo muy mágico. Fuimos pasando situaciones muy difíciles y superándolas, yendo siempre a más". Entonces ahora sí las versiones son realidad, el grupo había anunciado su separación y para cerrar su exitosa carrera, en una gira monstruosa por las ciudades más importantes del continente y cerrando en Buenos Aires, el 20 de septiembre, grabó "El último concierto" en el estadio River Plate ante más de 70 mil personas, Cerati, Bosio y Alberti salían al escenario, luego de la ovación, el líder de la banda dijo: "Llegó el día , la hora, minuto, instante" para poner más expectantes a los tantos seguidores de Soda. "La lista de temas no intenta ser cronológica, sino más bien justa con todos los discos, pero fundamentalmente con las canciones. Quizás el que menos tocamos es el primero, porque la cercanía temática y sonora sería hoy un poco forzada. En cambio, Cancion Animal siempre ha sido un disco muy potente para hacer en vivo. Por eso es que le dimos una gran importancia. No en cantidad, pero sí en lugares de la lista". Decía Cerati acerca de los temas que compondrán el último recital del trío. "¿Cuál es la idea de este show? Es dejar una impresión, si pudiéramos, eterna." Charly Alberti dijo: "Puedo hacer cuarenta shows, no me importa. Para mí el último será sólo el de River. Ahí sí que no sé lo que me puede llegar a pasar." También habló después del último concierto en México. "Cuando estábamos tocando sentí la sensación de decir: bueno, no está tan mal, entonces, por qué me estoy separando? Pero me di cuenta de que esta gira va a ser así, porque como es la última vamos a tener otra sensación." Tocaron sus mayores éxitos de todas las épocas: "Cuando pase el temblor", "En la ciudad de la furia", "Persiana americana", "Signos", "Primavera 0", "Ella usó mi cabeza como un revólver" y muchos más, y cerrando el recital con "de Música Ligera" (con el cual salió un nuevo video grabado en ese mismo recital) y dando la famosa frase de Cerati: "No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor desde el comienzo, algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias... totales!". La banda más importante de Latinoamérica de todos los tiempos había ofrecido 1.488 shows, habían tocado en más de 20 ciudades del mundo y en la gira del último concierto convocaron a más de 250.000 personas. Al poco tiempo después, Cerati explicó que el grupo no daba para más y que las relaciones estaban gastadas, pero la separación del trío fue en términos amistosos y les abrió nuevos horizontes, siempre ligados a la música. “No hay nada que me parezca tan importante como hacer una buena canción. Por otro lado, sé que funciono muy bien como administrador de energías. Además de las que yo genero, con mis composiciones o lo que sea, el hecho de utilizar energías ajenas y conformar algo es, precisamente, en lo que estuve inmerso todo este tiempo con Soda Stereo. Una cosa es que extrañe Soda, y otra es que extrañe esa energía. No me gustaría sentirlo, así es que ese aspecto social va a estar presente en lo próximo que haga, al revés de Amor Amarillo, que era bien para adentro". Decía Cerati ya disuelto el grupo. Hoy, Charly Alberti es empresario de informática, toca en el grupo techno, "Audioperú" y pertenece al sello URL records. Zeta Bosio produce grupos nuevos en Sony Music. Y Gustavo Cerati comenzó su carrera como solista. “Me veras volver”, Soda Stereo anuncio su vuelta al escenario el 9 de junio del 2007 el reencuentro para su gira maratónica por Latinoamérica, Sony – BMG ha reeditado casi toda su discográfica con sonido remasterizado así mismo se anuncio el lanzamiento de los DVD`s “Ruido Blanco” y “MTV Unplugged” joyas para los fanáticos, cuenta con Mark Fisher para que diseñe el escenario de Me veras Volver. El espectáculo esta garantizado de primera como nos tiene acostumbrado esta famosa banda.

Discografía

Álbumes de estudio:
1984 Soda Stereo
Lanzamiento: 27 de agosto de 1984
Discográfica: Sony Music (Ex CBS Discos)
1985 Nada Personal
Lanzamiento: 21 de noviembre de 1985
Discográfica: Sony Music (Ex CBS Discos)
1986 Signos
Lanzamiento: 10 de noviembre de 1986
Discográfica: Sony Music
1988 Doble Vida
Lanzamiento: 15 de septiembre de 1988
Discográfica: Sony Music
1990 Canción Animal
Lanzamiento: 7 de agosto de 1990
Discográfica: Sony Music
Formatos: LP, CS, CD
1992 Dynamo
Lanzamiento: 1º de octubre de 1992
Discográfica: Sony Music
1995 Sueño Stereo
Lanzamiento: 29 de junio de 1995
Discográfica: Sony Music (BMG en 1995)

Giras musicales:
1. "Gira Nada Personal" Nada Personal 1985 - 1986
2. "Gira Signos" Signos 1986 - 1988
3. "Gira Doble Vida" Doble Vida 1988 - 1990
4. "Gira Animal" Canción Animal
Rex Mix 1990 - 1992
5. "Gira Dynamo" Dynamo 1992 - 1993
6. "Gira Sueño Stereo" Sueño Stereo 1995 - 1996
7. "Gira Comfort y Música Para Volar" Comfort y Música Para Volar 1996
8. "Gira El Último Concierto" Ningún álbum 1997
9. "Gira Me Verás Volver" Gira Me Verás Volver 2007

Videografía:
VHS
Nada Personal en Obras 31 de octubre de 1986 en la Discoteca Cardiff (Buenos Aires, Argentina)
Ruido Blanco 1987
Canción Animal 1992

DVD
Una Parte de la Euforia 16 de noviembre de 2004
El Último Concierto 20 de septiembre de 2005
Soda Stereo: Comfort y Música Para Volar 6 de octubre de 2007
Gira Me Verás Volver 06 de octubre de 2008

Videoclips:
1984 Dietético Dir: Alfredo Lois. Video demo
1984 Te hacen falta vitaminas Dir: Alfredo Lois. Grabado en Música Total
1986 Cuando pase el temblor Dir: Alfredo Lois
1988 En la ciudad de la furia Dir: Alfredo Lois
1990 De música ligera Dir: Alfredo Lois
1990 Té para tres Dir: Ralph Rothschild.104 Grabado en un programa piloto que no salió al aire.
1990 Cae el sol Dir: Lorenzo / Guebel. Grabado en vivo en el Teatro Gran Rex
1992 No necesito verte (Para saberlo) Dir: Eduardo Capilla
1992 Primavera 0 Dir: Boy Olmi
1995 Ella usó mi cabeza como un revólver Dir: Stanley
1995 Zoom Dir: Eduardo Capilla / Galperín
2008 Prófugos Dir: Luis Santos. Grabado en vivo durante la Gira me verás volver (19/10/2007)
2008 Persiana americana Dir: Luis Santos. Grabado en vivo durante la Gira me verás volver (03/11/2007)

Larga Duración:
1985 Teatro Astros Grabado en vivo en Buenos Aires en el Teatro Astros (11 temas)
1987 Signos en Perú Grabado en vivo en Perú en el Coliseo Amauta
1992 Haciendo Dynamo Dir: Boy Olmi


Nada Personal
(Gustavo Cerati)Comunicación sin emoción
Una voz en off, con expresión deforme

Busco algo que me saque este mareo
Busco calor en esa imagen de video

Nada, oh oh oh
Nada Personal, oh oh oh
Nada, nada personal

Ella no puede pensar, esta aburrida
De tanto simular, cayó dormida

Busco en TV
Algun mensaje entre líneas
Busco alguien que sacuda mi cabeza
Y no encuentro nada
Nada Personal, oh oh oh
Nada,
Nada personal
Nada especial

Sinceramente seria tan bueno, tocarte
Pero es inútil
Tu cuerpo es de látex
y no siento nada
Nada, oh oh oh
Nada personal
Nada, oh oh oh
Nada personal, oh oh oh
Nada personal
Nada especial.

A-ha - La Voz

A-ha es un trío noruego de rock que se origina en el año 1982. está compuesta por Morten Harket (vocalista), Paul Waaktaar-Savoy (guitarrista) y Magne Furuholmen (tecladista), quienes fueron muy populares en Reino Unido, Australia, Europa y Estados Unidos durante la época de los ochentas, para más tarde darse a conocer en el mundo entero ya por los noventas.

El origen del nombre “A-ha” viene del título de su primera canción ("Nothing To It"). Después de buscar en el diccionario, en distintas lenguas, encontraron que a-ha era una palabra de carácter internacional, corta, que con nota positividad, y que nadie se había atrevido a usar como nombre propio. Al poco tiempo de constituirse como banda, los integrantes deciden dejar Noruega y mudarse a Londres para realizar su carrera en un mercado musical más grande. Es así como escogen el estudio del productor John Ratcliff para grabar sus primeros demos.

"Take On Me" (lanzada en 1984) fue la primera canción que la banda dio a conocer. En ese entonces, la canción llevaba el nombre de "Lesson One". Sin embargo esta versión de la canción no alcanzó popularidad y tan solo vendió la mínima cantidad de 300 copias. Sin embargo, después de varias re-ediciones y dos lanzamientos fallidos, sale a la venta el disco “Hunting High and Low" que incluía la nueva versión de “Take on Me" y se convirtió en un hit en el mundo entero en 1985. No sólo la canción fue un éxito, sino que el innovador video dirigido por Steve Barrons cautivó a miles de jóvenes. Esta última re-edición del single logró vender en una semana un millón y medio de copias, ubicarse en el puesto número uno en la lista Billboard de los Estados Unidos, y en el puesto número dos en los charts ingleses por varias semanas, dejando en el olvido el anterior fracaso.

1986 fue un año sumamente venturoso para la agrupación pues el video de “Take on Me” ganó 6 categorías de los premios “MTV Video Music Awards", a su vez, también fue nominado como mejor video del año en los “American Music Awards”. De igual manera a “Take on Me”, el single "The Sun Always Shines on T.V." logró escalar en la lista Billboard hasta el puesto 20, y alcanzó la posición 17 en los charts radiales. Además, el video clip de esta canción ganó 2 categorías de los premios “MTV Video Music Awards”. A-ha culminó ese año con la nominación al Grammy por mejor nuevo artista. El segundo disco de A-ha fue editado en 1986 bajo el nombre de “Scoundrel Days”. En 1987, grabaron una canción para la película “The Living Daylights” (una de las sagas de James Bond). En 1988, sacan el álbum “Stay on These Roads”, el cual no tuvo mucho éxito comercial; posteriormente, en 1990, graban el disco “East of the Sun, West of the Moon” y tres años más tarde aparece el LP “Memorial Beach”. A fines de los 80´s, y a inicios de los 90´s la banda ganó popularidad dentro de la fanaticada latinoamericana, especialmente en Brasil: En el festival “Rock in Rio II” celebrado el 26 de enero del 91, lograron tocar ante 198,000 personas en el Estadio Maracaná (uno de los estadios más grandes del mundo). Cabe recalcar que artistas como George Michael, Prince y Guns N' Roses sólo pudieron atraer a 60,000 espectadores en ese mismo festival.

En 1994, debido a conflictos internos en la banda, y a problemas con la compañía disquera, los miembros de A-ha deciden separarse para atender sus actividades personales, pero ese mismo año vuelven a juntarse para una presentación en las “Olimpiadas de Invierno” en Lillehammer, Noruega Una vez disuelta la banda, cada uno de los integrantes se dedicó a su carrera por separado: Paul Waaktaar-Savoy lanzó 5 álbumes junto a su esposa Lauren Savoy con la banda Savoy; Morten Harket sacó al mercado 3 álbumes como solista, uno de sus discos, “Wild Seed” logró vender 200,000 copias en Noruega. Y por ultimo, Magne Furuholmen se dedicó a hacer música para cine y televisión. En el 2004, grabó su primer álbum como solista: “Past Perfect Future Tense”.

Los integrantes de A-ha deciden reunirse en 1998, para el concierto de premiación de los premios Nobel, y lanzan un nuevo tema: "Summer Moved On". En el 2000, regresan a los estudios para grabar “Minor Earth Major Sky”. Este álbum generó una nueva gira. El concierto "A-ha on the net" realizado en el 2001 en Oslo Norway, fue presentado en vivo en Internet y llego a alcanzar cifras de sintonía increíbles, colocándose como el tercer concierto más visto en la Web (sólo Madonna y Paul McCartney pudieron superar este record). En el 2002, lanzan “Lifelines”.

En el 2003 sacan un álbum en vivo titulado “How Can I Sleep With Your Voice in My Head?”. Un año más tarde aparece un libro “The Swing Of Things” que contiene un CD con el material inicial de la banda. Ese mismo año, A-ha celebra su vigésimo aniversario con el lanzamiento de una colección de singles titulada: “The Definitive Singles Collection 1984-2004” . Este disco recopilatorio los llevó a ubicarse nuevamente en los charts ingleses en el puesto número 20 de los álbumes más vendidos. En julio del 2005, A-ha reaparece en el concierto “Live 8” en Berlín. Meses más tarde, ofrecen un concierto masivo en Noruega (120,000 personas), coronándose como el grupo con mayor acogida en dicho país. Asimismo, el 12 de septiembre, la banda vuelve a pisar Norteamérica para el concierto que se llevo a cabo en Nueva York, tras varios años sin tocar en aquel país. Para el mes de noviembre del 2005, la banda lanza un nuevo álbum grabado en estudio: “Analogue”. El primer sencillo que se desprende de esta producción fue "Celice". Seguidamente, la agrupación inicia un tour por Francia, Alemania e Inglaterra. En el 2006, A-ha grabó el cover “#9 Dream", una de las canciones de John Lennon, para la institución Amnistía Internacional. A fines de ese mismo año, reciben en Londres el prestigioso premio “Q Inspiration Award” por su contribución a la música rock.

Barry White - De Alma Pura

Nace el 12 de septiembre de 1944 en Texas, en el seno de una familia pobre, pero se crió en el ghetto negro de la ciudad de Los Ángeles (lugar de alto grado en los márgenes de crimen). Esto se vio reflejado en su adolescencia, pues formó parte de una pandilla juvenil a partir de los 10 años de edad, motivo por el cual a la edad de 17 fue encarcelado por cargos de robo. En prisión decidió cambiar de vida y de amigos. Desde ese momento inicia su carrera musical. Durante los años sesenta grabó varios discos bajo su nombre real y como integrante de los "Upfronts", los "Atlantics" y los "Majestics". Sin embargo, su mayor éxito vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.

En 1969, creó el trío Love Unlimited. Este título lo tomaría posteriormente para darlo nombre a su grupo de acompañamiento, la Love Unlimited Orchestra. En 1972, White produjo, escribió e hizo los arreglos pertinentes para la nueva producción de la banda. La balada soul "Walking in the Rain (With The One I Love)", fue un hit y se posicionó en el Top 20 de los charts de música pop. El grupo anotaría más hits a través de los años 70. Barry se casó con Glodean James, la vocalista del grupo. Mientas trabajaba en algunos demos para grabar con una voz masculina, la casa disquera le sugiere que sea él quien interprete sus propios temas. Esta decisión lo lleva a obtener prestigio y renombre con una serie de temas exitosos tales como "I'm Gonna Love You Just a Little More Baby" (1973), "Never, Never Gonna Give You Up" (1973), "Can't Get Enough of Your Love, Babe" (1974), "You're the First, the Last, My Everything" (1974), "What Am I Gonna Do With You" (1975), "Let the Music Play" (1976), "Your Sweetness is My Weakness" (1978), "Change" (1982), "Sho' You Right" (1987), y "Practice What You Preach" (1994), entre otros.

Todas estas melodías lo convierten en una celebridad, motivo por el cual el 20 de septiembre del 2004, es inscrito en el “Dance Music Hall of Fame” (reconocimiento a todos aquellos productores, artistas y compositores exitosos) en una ceremonia celebrada en Nueva York. Junto con sus presentaciones como cantante, White también se dedicó a ofrecer su voz para algunos comerciales y teleseries como Los Simpsons. También se le ofreció ponerle voz a un personaje de South Park, ya que fue él la inspiración para la figura del "Chef" de la serie, pero no aceptó. En el año 2000 ganó dos grammys en los apartados de mejor música tradicional y en rhythm and blues por "Staying Power". En el otoño del 2002, su enfermedad crónica de presión alta se transformó en una falla renal que lo forzó a retirarse de la vida pública. El 4 de julio del 2003, a la edad de 58 años, fallece en la clínica Cedars-Sinai, en Hollywood.