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lunes

The Smiths - La Personalidad

Video: The Smiths - 'This Charming Man' (1983)





Miembros principales

Morrissey - voz, piano
Johnny Marr - guitarra, teclados, mandolina, bajo, armónica
Andy Rourke - bajo, cello
Mike Joyce - batería, coros

Otros miembros

Dale Hibbert - bajo (1982)
Craig Gannon - guitarra rítmica (1986)

Historia

La banda fue fundada en 1982 por dos jóvenes de Manchester, Johnny Marr y Stephen Patrick Morrissey, aunque este último es mejor conocido por su apellido, "Morrissey". Marr estaba buscando gente para formar una banda cuando unos amigos suyos le contaron acerca de un joven que vivía cerca y que tenía un estilo particular de escribir, aunque le advirtieron que era difícil de tratar y que hasta ahora sólo se había dedicado a la literatura. El joven del que le hablaban era Morrissey, quien ya era conocido en algunos círculos de Manchester y que había fundado el club de fans de los New York Dolls y había cantado en una banda llamada The Nosebleeds. Mike Joyce fue reclutado como baterista después de una corta audición y Dale Hibbert tocó el bajo al comienzo pero fue pronto reemplazado por el amigo de Marr, Andy Rourke.

El origen del nombre de la banda es desconocido el grupo afirma que era una reacción contra los nombres que consideraban demasiado pretenciosos y pomposos, como Orchestral Manoeuvres in the Dark y Depeche Mode. El nombre también puede ser un homenaje a Patti Smith (de quien Morrisey es fan). Otra teoría sostiene que era un chiste irónico porque es un nombre de esencia muy inglesa, a pesar de que los cuatro miembros de la banda (Morrisey, Marr, Rourke y Joyce) descendían de irlandeses. Sin embargo, en una entrevista de 1984 Morrisey dijo que llamó así a la banda porque era el nombre más común y ordinario, y porque pensaba que era hora que la gente más ordinaria se mostrara al mundo. La banda firmó con el sello discográfico Rough Trade Records y editó su primer single, "Hand in Glove", el 13 de mayo de 1983. El single fue promocionado por el DJ John Peel pero aún así no le fue bien en las listas, suerte que mejoraría con los siguientes, "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?". La banda comenzó a generar un notable culto de seguidores, en parte debido a la identificación de los seguidores con las letras de Morrissey.

"The Smiths" (el primer álbum)

El homónimo disco debut de la banda fue editado en 1984 y llegó hasta el puesto número 2 de las listas inglesas. El disco resultó ser más calmado y con menos energía que lo que se podía esperar debido a los energéticos sencillos. En el disco existen múltiples referencias a la literatura y a la cultura pop que Morrissey admiraba. La portada del disco ya muestra esta tendencia al estar compuesta por una foto de Joe Dallesandro en la película de Paul Morrissey, Flesh. Esta estética seguía la costumbre de la banda de poner en las portadas de sus sencillas imágenes de películas o fotos de estrellas pop, costumbre que continuaría durante toda la carrera de la banda. Entre las referencias literarias se hallaba una canción nombrada con una cita del escritor Jack Kerouac, "Pretty Girls Make Graves".

Este disco generó varias controversias. Las canciones "The Hand That Rocks The Cradle" y "Reel Around the Fountain" fueron acusadas por el tabloide The Sun y por la revista The Sounds de promover la pedofilia. "Suffer Little Children", canción que trataba sobre los asesinatos cometido por Ian Brady y Myra Handley en Manchester, causó la ira del abuelo de una de las víctimas que lo escuchó en un pub, a pesar de que la canción no apoyaba los asesinatos ni a los asesinos, y de que provocó que Morrisey se hiciera amigo de Ann West, madre de la víctima Lesley Ann Downey, que es mencionada en la canción. Después de que se lanzara el álbum, la ídola de Morrisey Sandie Shaw versionó el tema "Hand in Glove", y un par de temas más, escritos por Morrisey y Marr, con Marr, Joyce y Rourke tocando en los mismos. El éxito del sencillo hizo que los Smiths tocaran descalzos en el show Top of the Pops. En 1984 también salieron un par de sencillos que no aparecían en el álbum: "Heaven Knows I'm Miserable Now" (el primer tema de la banda que llegó a los 10 primeros puestos de las listas) y "William, It Was Really Nothing" (que usualmente se considera que fue escrita por Morrisey sobre su amigo Billy Mackenzie, cantante de The Associates), que tiene a una de las canciones más conocidas del grupo, "How Soon Is Now?", como lado B. El año concluyó con la compilación Hatful of Hollow, que incluía singles, lados B, y versiones de los temas que habían sido grabados a lo largo del año anterior para los shows de Peel y Jensen. Las versiones para las sesiones de radio fueron considerados por muchos (incluyendo a la banda) como superiores a las de los sencillos y el álbum debut.

"Meat Is Murder"

A principios de 1985 la banda lanzó su segundo álbum, Meat Is Murder. Este álbum fue mucho más estridente y político que su predecesor, e incluía una canción (la pista titular) a favor del vegetarianismo (Morrissey le había prohibido al resto del grupo que fuesen fotografiados comiendo carne), el republicanismo liviano de "Nowhere Fast", y las canciones en contra del castigo corporal "The Headmaster Ritual" y "Barbarism Begins At Home". Musicalmente, la banda se volvió más aventurera, con Marr agregando riffs de rockabilly en "Rusholme Ruffians" y Rourke un solo de bajo de funk en "Barbarism Begins At Home". El álbum fue precedido por el relanzamiento del lado B "How Soon Is Now?" como sencillo, que originalmente no aparecía en el álbum pero fue agregada en ediciones subsiguientes. "Meat Is Murder" fue el único álbum de la banda que llegó al primer puesto de las listas británicas. Además de que el álbum tenía mayor contenido político, Morrissey introdujo sus posturas políticas en sus entrevistas, causando aún más controversia. Entre sus blancos se encontraban la administración de Margaret Thatcher, la familia real, y el Band Aid, sobre el cual Morrissey afirmó: "uno puede tener gran preocupación por la gente de Etiopía, pero es otra cosa ocasionar una tortura diaria a la gente en Inglaterra".

El siguiente sencillo "Shakespeare's Sister" (que no estaba en el álbum) no tuvo mucho éxito en las listas, al igual que el sencillo que sí estaba en el álbum, "That Joke Isn't Funny Anymore". Muchos lo consideraron una elección extraña para un sencillo, por sus guitarras grabadas al revés y la ausencia de un gancho melódico consistente. Pero el sencillo de septiembre de 1985, "The Boy With The Thorn In His Side", fue un indicador de lo que se vendría.


"The Queen Is Dead"

Durante 1985 la banda completó agotadoras giras por el Reino Unido y los Estados Unidos mientras grababan su siguiente álbum de estudio, The Queen Is Dead, que fue lanzado en junio de 1986, inmediatamente después del sencillo "Bigmouth Strikes Again". Este álbum, con su típica mezcla de lo sombrío "Never Had No One Ever", que parecía referirse a los estereotipos de la banda, lo humorístico "Frankly, Mr Shankly", un supuesto mensaje al jefe de Rough Trade Geoff Travis disimulada como una carte de renuncia de un trabajador para su superior y varias canciones que sintetizaban ambos lados "There Is a Light That Never Goes Out" y "Cemetary Gates", llegó al puesto número 2 de las listas de Reino Unido, y suele ser considerado su mejor obra. En 1989, la revista SPIN ubicó a "The Queen Is Dead" en el primer puesto de su lista de "The Greatest Albums Ever Made" ("Los Mejores Álbumes Jamás Grabados"). Muchas otras listas de mejores álbumes de la historia de otras publicaciones ubicaron a este álbum en la cima o cerca de ella, entre los diez mejores, incluyendo NME y Melody Maker.

Sin embargo, no todo estaba bien dentro de la banda. Una disputa legal con Rough Trade retrasó la salida del álbum por casi siete meses (había sido completado en noviembre de 1985) y Marr estaba comenzando a sentir el estrés causado por la agotadora agenda de la banda. Mientras tanto, Rourke fue explusado de la banda a principios de 1986 por sus problemas con la heroína. Se enteró por medio de una nota de Post-it pegada en el parabrisas de su auto, que decía "Andy - you have left The Smiths. Goodbye and good luck, Morrissey." ("Andy - has dejado los Smiths. Adiós y buena suerte, Morrissey"). Fue temporalmente reeplazado por el bajista Craig Gannon pero readmitido después de 2 semanas, por lo que Gannon se convirtió en el guitarrista rítmico. Este quinteto grabó los sencillos "Panic" y "Ask" (con Kirsty McColl en coros), y fue de gira por el Reino Unido; luego de que la gira terminara en octubre de 1986, Gannon fue expulsado.

"Strangeways, Here We Come", y la disolución de la banda
1987 comenzó bien para la banda: el single "Shoplifters of the World Unite" (una de las canciones de los Smiths favoritas de Morrissey) fue lanzado a principios del año y tuvo éxito y causó algo de controversia entre padres, sobre la posibilidad de que incitara a los chicos a robar. Fue seguido por un segundo compilado, The World Won't Listen (el título se refiere al comentario de Morrissey sobre su frustración por la falta de reconocimiento de la banda en el mainstream, aunque irónicamente el álbum llegó al segundo puesto en los charts), y el single "Sheila Take A Bow", el segundo y último éxito de la banda que llegó a los primeros diez lugares. Otro compilado, Louder Than Bombs, fue preparado para el mercado norteamericano y contenía gran parte del mismo material que The World Won't Listen, pero con la adición de "Sheila Take A Bow" y de material de Hatful Of Hollow, ya que ese compilado no había sido lanzado aún en los Estados Unidos.

A pesar de su éxito, diferencias personales dentro de la banda, incluyendo un aumento de la tensión en la relación entre Morrissey y Marr dejó a la banda al borde de la disolución, y cuando Strangeways, Here We Come (llamado así por la prisión Strangeways de Manchester) fue lanzado en septiembre de 1987, la banda ya había dejado de existir. La separación fue atribuida al hecho de que a Morrissey le molestaba el trabajo de Marr con otros artistas, y a que Marr se sentía frustrado por la poca flexibilidad musical de Morrissey. Marr, en particular, odiaba la obsesión que tenía Morrissey por hacer versions de artistas de pop de los años 1960, como Twinkle y Cilla Black. Refiriéndose a las canciones que la banda grabó en su última sesión juntos (lados B para el single "Girlfriend In A Coma, que salió antes del lanzamiento del álbum, Marr dijo, "Yo escribí "I Keep Mine Hidden", pero odié a "Work Is a Four Letter Word". Eso fue el colmo, realmente. No formé un grupo para tocar canciones de Cilla Black".

Strangeways también llegó al segundo puesto en Reino Unido pero no alcanzó el mismo éxito en los EE.UU. La canción "Paint A Vulgar Picture" fue algo profética, dado que las canciones del grupo fueron reeditadas en una innumerable cantidad de compilaciones. El infame video de 30 segundos de "Girlfriend In A Coma" logró algo de rotación en MTV en los EE.UU. El álbum fue recibido con indiferencia por parte de los críticos, pero los cuatro miembros lo consideran su álbum favorito de la banda. Un par de sencillos del álbum fueron lanzados con viejas demos y versiones en vivo como lados B, y al año siguiente salió "Rank", un álbum en vivo que fue grabado en 1986, cuando Gannon formaba parte de la banda, que repitió el éxito de sus LP’s anteriores.

Carreras solistas

Morrissey: Comenzó a grabar como solista, colaborando con el productor de "Strangeways" (Stephen Street) y el mancuniano Vini Reilly, guitarrista de The Durutti Column. El álbum, Viva Hate (en referencia al fin de los Smiths), salió seis meses más tarde y llegó al primer puesto en ventas. Morrissey sigue tocando y grabando como solista.

Johnny Marr: Regresó a la música en 1989 con Bernard Sumner (de New Order) y Neil Tennant (de los Pet Shop Boys) en el super grupo Electronic. Electronic editó tres álbumes a lo largo de la década siguiente. Marr también fue miembro de The The, grabando dos álbumes con la banda entre 1989 y 1993. Marr además trabajó como sesionista y colaborador con artistas como The Pretenders, Pet Shop Boys, Billy Bragg y Black Grape. En el 2000 fundó otra banda, Johnny Marr And The Healers, que obtuvo moderado éxito, y más tarde trabajó como músico en el álbum de Oasis Heathen Chemistry. Además, ha trabajado como productor.

Andy Rourke y Mike Joyce: Continuaron trabajando juntos, como sesionistas de Morrissey (1988-1989) y Sinéad O'Connor, entre otros, además de trabajar juntos. Andy Rourke grabó y salió de gira con la banda británica de country alternativo Proud Mary. Adicionalmente, Rourke está formando un grupo con otros bajistas como Peter Hook (de New Order y Joy Division) y Mani (de los The Stone Roses y Primal Scream), llamado Freebass.

Asuntos Pendientes

The Smiths fueron reunidos en una juzgado en 1996 para resolver una demanda por regalías de Joyce contra Morrissey y Marr, quienes solo les permitieron a Joyce y a Rourke obtener un 10% de lo que la banda ganaba por grabaciones y presentaciones (las regalías por composición no eran relevantes, ya que Rourke y Joyce nunca recibieron crédito como compositores de la banda Rourke sí compuso sus partes de bajo, pero desconocía los mecanismos que creaban regalías en la creación de obra musicales en ese momento. Por esta razón, Rourke sigue sin recibir crédito y regalías por su parte en la creación de las canciones de los Smiths). Morrissey y Marr argumentaron que los otros dos miembros siempre habían estado de acuerdo con esa división de regalías, pero la corte falló a favor de Joyce, y ordenó que se le pagaran un millón de libras y recibiera un 25% desde ese momento. Como las regalías del grupo habían estado congeladas por dos años, y bajo gran presión financiera para sostener a su familia, Rourke se conformó con una suma menor para pagar deudas, y continuó recibiendo 10%. Morrissey fue descrito por el juez como "agresivo y poco confiable" . El álbum solista de Morrissey de 1997, Maladjusted, incluyó una canción titulada "Sorrow Will Come in the End", que se refería al caso, y que fue omitida de la versión británica por miedo a una denuncia por difamación. Morrissey (pero no Marr) apeló contra el veredicto sin éxito.

Como resultado de este caso, una reunión de los Smiths parecía algo imposible, a pesar del aparente cambio en la relación entre Marr y Morrissey en los recientes años. Tanto Johnny Marr como Morrissey afirmaron en repetidas ocasiones en entrevistas que no había forma alguna de que una reunión volviera a suceder. En 2005, VH1 intentó reunir a la banda para su show Bands Reunited, pero el programa abandonó sus intentos luego de que su anfitrión Aamer Haleem no lograra convencer a Morrissey.

A fines de noviembre de 2005, en una aparición en la estación de radio BBC 6 Music, Mike Joyce afirmó que estaba atravesando por problemas financieros, y que había tenido que recurrir a vender items raros de la banda en eBay. Algunos minutos de una pista instrumental nunca completada llamada "The Click Track" fue presentada en el show. Morrissey atacó a Joyce en una declaración pública en la página www.true-to-you.net. La relación entre Joyce y Rourke se congeló como resultado de la declaración de Morrissey que reveló que Joyce había engañado a la justicia al no declarar que, entre otros, Rourke tenía derecho a activos que fueron tomados por sus abogados, de Morrissey. Decía que Rourke había sido privado del pago de regalías por parte de Morrissey ya que habían sido tomadas por Joyce quien fue obligado a declarar que otros (Rourke, Lillywhite y Street) tenían un interés en los fondos que él intentaba conseguir.

En enero de 2006 Johnny Marr + The Healers tocaron en Manchester V Cancer, un show a beneficio para el cáncer que fue organizado por Andy Rourke y su Production Company Great Northern Productions. Por primera vez en 20 years Johnny Marr y Andy Rourke se reunieron en el escenario, y tocaron "How Soon Is Now?".

Discografía

Singles en el Reino Unido (con sus posiciones en los charts)

"Hand in Glove" (1983: 124)
"This Charming Man" (1983: 25)
"What Difference Does It Make?" (1984: 12)
"Heaven Knows I'm Miserable Now" (1984: 10)
"William, It Was Really Nothing" (1984: 17)
"How Soon Is Now?" (1985: 24)
"Shakespeare's Sister" (1985: 26)
"That Joke Isn't Funny Anymore" (1985: 49)
"The Boy with the Thorn in His Side" (1985: 23)
"Bigmouth Strikes Again" (1986: 26)
"Pani]" (1986: 11)
"Ask" (1986: 14)
"Shoplifters of the World Unite" (1987: 12)
"Sheila Take a Bow" (1987: 10)
"Girlfriend in a Coma" (1987: 13)
"I Started Something I Couldn't Finish" (1987: 23)
"Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me" (1987: 30)
"This Charming Man" (1992 re-issue [1983]: 8)
"How Soon Is Now?" (1992 re-issue [1984]: 16)
"There Is a Light That Never Goes Out" (1992 [1986]: 25)
"Ask" (1995 re-issue [1986]: 62)

Albunes

The Smiths (1984)
Hatful of Hollow (compilado, 1984)
Meat Is Murder (1985)
The Queen Is Dead (1986)
The World Won't Listen (compilado, 1987)
Louder Than Bombs (compilado, 1987)
Strangeways, Here We Come (1987)
Rank (en vivo, 1988 [1986])
Best...I (compilado, 1992)
Best...II (compilado, 1992)
Singles (compilado, 1995)
The Very Best of The Smiths (compilado, 2001)

Duran Duran - El Estilo


Duran Duran nació en 1978 en Birmingham (Inglaterra). Sus fundadores fueron Nick Rhodes, John Taylor, Simon Colley y Stephen Duffy. El nombre de Duran Duran fue tomado del personaje que interpretaba Milo O'Shea en la película de ciencia-ficción Barbarella, protagonizada por Jane Fonda.
En 1979, Colley y Duffy son sustituídos por el cantante Andy Wicket y el batería Roger Taylor. Además, gracias a un anuncio aparecido en prensa, eligen a Andy Taylor como nuevo guitarrista de la banda. Poco tiempo después, Wickett es sustituído por Simon Le Bon, con lo que completaba la formación definitiva de Duran Duran. En 1981 aparece el primer sencillo de Duran Duran, "Planet Earth". El grupo aparecía englobado en lo que se denominaban los "nuevos románticos", junto a bandas como Spandau Ballet, Visage o Depeche Mode, entre otros. Unos meses después aparece el primer álbum de la banda británica, con el título de "Duran Duran". En 1982 publican su segundo álbum, titulado "Rio", uno de sus discos de más éxito, con temas como "Hungry like the wolf", "Save a prayer" y "Rio", entre otros, que consiguieron un gran éxito. Un año después aparece el sencillo "The Union Of The Snake", un adelanto del que sería su nuevo álbum "Seven and the raged tiger", publicado en 1984. A raíz de este disco, Duran Duran inició una gira mundial que sirvió para que el grupo editara un álbum en directo titulado "Arena". En 1985 Duran Duran realiza el tema de la película de James Bond "Panorama para matar", titulado "A wiew to a kill". Un año después Andy y Roger Taylor abandonan la banda, con lo que Duran Duran queda conformado como un trío. De esta manera graban un nuevo disco, titulado "Notorious". En 1988 se unen a la banda inglesa el guitarrista Warren Cuccurullo y el batería Sterling Campbell. Con esta formación, Duran Duran publica el álbum "Big thing", en el que destacan los temas "I don't want your love" y "All she wants is". Un año después editan un recopilatorio titulado "Decade". En 1993 publican el sencillo "Ordinary world", tras varios años fuera del panorama musical. Con este tema, Duran Duran vuelve a lo más alto de las listas de éxitos y les sirve para lanzar el álbum "Duran Duran (The wedding album)". En 1995 publican un álbum con versiones de temas clásicos y al que bautizaron como "Thank You". En este trabajo se incluían temas de de Bob Dylan, The Doors y Lou Reed, entre otros. En 1997 aparece el tema "Out of my mind", que sería el tema principal de la banda sonora de la película "El Santo", con Val Kilmer como protagonista. Ese mismo año publican "Medazzaland". En el año 1998 aparece un recopilatorio de todos sus grandes éxitos, con el título de "Greatest hits" y en el 2000 aparece "Pop trash", en el que se adentran en nuevos sonidos, con un resultado incierto. En mayo de 2001 Warren Cuccurullo abandona Duran Duran para volver con su antigua banda. En el 2004 los cinco integrantes de la formación original se unieron para celebrar el aniversario de Duran Duran con la publicación de un nuevo álbum, titulado "Astronaut".
Video: Duran Duran - Notorious

Jean Michel Jarre - Cronología Musical

Video: Jean Michel Jarre - Rendez Vous




1948. Jean Michel Jarre nace en Lyón (Francia) el 24 de agosto. Es hijo de France Pejot y Maurice Jarre. Muy pronto se inicia en el arte del contrapunto, de la fuga y de la armonía bajo la dirección de Jeannine Rueff en el conservatorio de París.

1964. Forma su primera banda: Les mystères 4. 1967. Jarre forma parte de un grupo musical llamado The Dustbins, donde toca la guitarra y pone las voces. Esta formación aparece tocando en la película francesa Des garçons et des filles. 1968. Además de sus estudios literarios, entra en el Grupo de Investigaciones Musicales y estudia las técnicas de la música electroacústica bajo la dirección de Pierre Shaeffer. Además, crea su primera composición, para la casa de la cultura de la ciudad de Reims: Hapiness is a sad song. 1969. Publica su primer disco de música electroacústica: La cage.

1971. Jarre recibe el encargo de componer la música para la reapertura del Palacio de la Ópera de París, para un ballet llamado AOR. Este mismo año, Jarre entra en contacto con Francis Dreyfus, importante productor discográfico francés. Empieza al mismo tiempo una serie de colaboraciones con diferentes artistas como Bill & Buster, Samuel Hobo, Triangle, Blue Vamp, Christophe, Patrick Juvet, Françoise Hardy, Gérard Lenorman.

1972. Jean Michel Jarre graba Deserted palace, disco cuyo fin era ambientar aeropuertos y bibliotecas estadounidenses. Realiza composiciones para diferentes marcas y crea jingles para radio y televisión. 1973. Realiza la banda sonora de la película Les granges brûlées, protagonizada por Simone Signoret y Alain Delon y dirigida por Jean Chapot.

1976. Publica Oxygène, a través de la discográfica de su amigo Richard Dreyfus. El álbum logra ser número uno en el mundo y consigue un éxito sin igual en la historia discográfica francesa y mundial. Llega a vender más de 12 millones de discos.

1978. Después de 18 meses de trabajo se edita Equinoxe, que confirma su éxito y hace resaltar las secuencias y los ritmos electrónicos. Se vendieron unos 10 millones de copias. Este mismo año compone la banda sonora de la película de Peter Fleischmann, La enfermedad de Hamburgo. El 7 de octubre contrae matrimonio con la actriz Charlotte Rampling. 1979. Un millón de personas asiste al concierto que Jean Michel Jarre ofrece en la Plaza de la Concordia de París el 14 de julio. Además, participa en la música de Gallipoli, película de Peter Weir. 1980. Salida de su tercer disco: Magnetic fields, otro bombazo en ventas. Más terrenal, esta música contrasta con la atmósfera de los discos anteriores.

1981. Jean Michel Jarre se convierte en el primer músico occidental en dar conciertos en la China post-Mao. Ofrece un total de cinco actuaciones en Pekín y Shanghai.1982. Publica The concerts in China, disco recopilatorio, crónica de lo acontecido en su gira China.1983. Jarre compone Music for supermakets y publica una única copia, que será subastada. Tras la subasta, se destruyen los másters. 1984. El 12 de noviembre sale Zoolook”, disco de tono radicalmente nuevo, que será elegido disco instrumental del año en Francia y Estados Unidos.

1986. Jean Michel Jarre celebra los 150 años de Houston (Texas) y el 25 aniversario de la NASA en uno de los conciertos más espectaculares de la historia de la música. Además, este concierto sirvió de homenaje para los tripulantes del Challenger. Un millón y medio de tejanos descubren el nuevo LP de Jarre: “Rendez-vous”. El 5 de Octubre del mismo año, ofrece un concierto en su ciudad natal, Lyon, aprovechando la visita del Papa Juan Pablo II. Se convierte en una fiesta barroca, mezcla de clasicismo y vanguardia, de artesanía y alta tecnología, de pasado y de futuro. Un concierto excepcional.

1987. Salida de “Houston-Lyon, Cities in Concert”, una “escenografía” de los mejores momentos de los dos conciertos .1988. “Revolutions” supone el encuentro entre el mundo árabe y las computadoras. Es uno de los discos más étnicos de Jean Michel Jarre. En Octubre da dos conciertos en los muelles de Londres, bajo una intensa lluvia, en un cuadro apocalíptico, medio destruido, medio renovado, donde graffitis, violencia, almacenes abandonados y arquitecturas nuevas se entremezclan.

1989. “Destination Docklands”, disco que contiene lo mejor de sus actuaciones londinenses. 1990. “Waiting for Cousteau”. Este disco incluye 2 partes distintas: Calypso, encuentro del sintetizador y el “steel-drum” de Trinidad y Tobago y Waiting for Cousteau, pieza de 45 minutos de ambient, muy vinculada con el medio ambiente y el mar, cuyos elementos se desarrollan lentamente en el tiempo.El 14 de Julio ofrece un concierto: Paris la Defénse, donde es aclamado por más de dos millones y medio de espectadores. Esto le supone entrar en el libro Guiness de los Records.

1991. Edita “Images” recopilatorio con 3 temas inéditos: Moon Machine, El Dorado y GlobeTrotter. 1992. Jarre recibe el encargo de Swatch de crear la melodía para la alarma de un nuevo concepto de reloj: Swatch MusiCall. Además, realiza un espectáculo en Zermatt (Suiza) para celebrar los cien millones de relojes Swatch vendidos en el mundo.También actúa en Sudáfrica para celebrar la inauguración de un gran complejo hotelero.

1993. “Chronologie”. Disco que vendría acompañado de su primera gran gira mundial, actuando en grandes espacios abiertos. Fue la primera (y hasta ahora única) ocasión en que Jarre actuó en España: Santiago de Compostela, Barcelona y Sevilla. El concierto previsto para Madrid, y que iba a cerrar la gira europea fue suspendido por la lluvia. Este mismo año es nombrado “Embajador de la Buena Voluntad de la UNESCO”. 1994. Concierto en Hong-Kong para celebrar la inauguración del Estadio Olímpico. Vino acompañado del disco “Hong Kong”. 1995. Siguiendo con la moda del momento, sale “Jarremix” disco de remezclas de los mayores éxitos de Jarre por parte de afamados DJs. Ofrece un nuevo concierto en Paris, como parte de su trabajo como embajador de la UNESCO. Se titula “Concert pour la Tolerance”, junto a la torre Eiffel, y atrae a millón y medio de espectadores.

1997. “Oxygene 7-13”, continuación de su gran obra “Oxygene” y que sigue la misma línea, con instrumentos analógicos. Jarre se embarca en una nueva gira europea, pero esta vez en pabellones cerrados. Va desde Mayo hasta Octubre y consigue un gran éxito de público. En esta ocasión no vino a España, debido a la falte de locales adecuados. El mismo año, en Septiembre ofrece un concierto en Moscú para celebrar el aniversario de la ciudad, y atrae a tres millones y medio de espectadores (de nuevo entra en el Guiness).

1998. Nuevo disco de remezclas: “Odyssey Through o2”, que incluye además una pista multimedia que permite crear imágenes que acompañen a la música. Además es el encargado de representar a Francia en el disco conmemorativo del mundial de fútbol, y lo hace con 2 temas: Rendez-Vous 98 y Together Now. Aprovechando la final de la copa del mundo, ofrece un mega espectáculo bajo la Torre Eiffel donde se celebra la victoria de Francia.

1999. Para celebrar el fin del milenio, Jarre ofrece un concierto el 31 de Diciembre en las pirámides de Egipto. El concierto, que empezó a las 10 de la noche se alargó hasta las 6 de la madrugada en una fiesta inolvidable. 2000. En Enero sale a la venta su nuevo disco “Metamorphoses” donde por primera vez algunos temas contienen letra. El 31 de Diciembre ofrece un concierto junto a Tetsuya Komuro en Okinawa, en un proyecto llamado “The Vizitors”. 2001. Siguiendo el tirón de sus conciertos, esta vez le toca el turno a la Akropolis griega, donde ofrece 2 conciertos en Junio. El evento fue bautizado como “Hymn to Akropolis”. Compone este mismo año la música para las tiendas Bang&Olufsen, participa en la banda sonora de la película “Qui Veut Devenir une Star” y colabora con el humorista francés Pierre Palmada en su nuevo disco. 2002. Miniconcierto en el festival “Le Printemps de Bourges” con una capacidad para 100 personas. El 7 de Septiembre lleva a cabo un concierto en Aalborg (Dinamarca): AERO. El escenario fue un enorme parque eólico con más de 100 molinos de viento. Contó con la participación de Safri Duo. Artísticamente el concierto fue un éxito, y ha sido calificado como uno de los mejores de su carrera, y al que asistieron cerca de 50.000 personas de más de 23 países de todo el mundo. Pero las malas condiciones climatológicas (cayeron más de 150 litros de agua por metro cuadrado) pusieron en evidencia a la organización, covirtiéndose el lugar en una piscina de lodo y quedando multitud de vehículos atascados hasta la madrugada. A finales de año se publica su nuevo disco: “Sessions 2000”. Se trata de un trabajo totalmente diferente, con un estilo Electro-Jazz y que no tuvo la repercusión de sus anteriores trabajos. 2003. Con motivo del 30 aniversario de la película “Les Granges Brulées”, se re-edita remasterizada la banda sonora compuesta por Jarre.

miércoles

Enya - La Voz Dulce

Video: Enya - Orinoco Flow




Enya, cuyo verdadero nombre es Eithne N' Bhraonein, nació el 17 de Mayo de 1961 en Dore, Gweedore, Irlanda. Hija de un conocido músico irlandés, siempre estuvo en su familia por gente relacionada con la música. Tras cursar estudios de piano, formó en el grupo Clannad. Enya trabajaba en los teclados, aunque el estilo pop del grupo no terminaba de agradar a la artista. Enya abandonó el grupo en 1982.

Sus primeras grabaciones en solitario aparecieron en 1985. Al año siguiente Enya grabó la música para la serie de la BBC 'The Celts' ('Los Celtas'), y dos años más tarde presenta su primer álbum como solista, titulado de ese modo, 'The Celts'. Su forma de cantar, tanto en galés como en inglés, y su forma de instrumentar los temas con los sintetizadores, no fue del todo apreciado al principio. Sin embargo, al año siguiente Enya firma un contrato con WEA Records y presenta su segundo trabajo, 'Watermark'. El álbum supuso un gran éxito y el reconocimiento de la crítica y del público. Varios de los singles se auparon en los primeros puestos de los rankings y recibió varios premios de platino. En 1991 publica 'Shepherd Moons', con el que vendió más de 10 millones de copias y con el que conquista el mercado americano, recibiendo en 1993 el Grammy como 'Mejor Album New Age'. En 1995 aparece 'The Memory Of Trees', con una gran carga celta, aunque no despertó tanto interés como los trabajos anteriores. Dos años después lanza 'Paint the Sky with Stars: The Best of Enya' una colección de 16 tema, 14 de ellos extraídos de sus trabajos anteriores, a los que se añaden dos canciones nuevas: 'Only If...' y 'Paint the Sky with Stars' A fines del 2000, tras un paréntesis de tres años, Enya presenta un nuevo álbum, titulado 'A Day Without Rain'. En 2001 dos canciones de Enya : "May it be" y "Aníron" aparecieron en la película "El Señor de los Anillos - La Comunidad del Anillo". Enya, Nicky y Roma fueron nominados a los Oscar y a los Globos de Oro por el tema "May it be". En 2005 aparece el que está llamado a ser uno de los mejores trabajos de Enya. Su título es "Amarantine", y ha sido grabado en Irlanda, presentándonos a una Enya en estado puro. Desde los conmovedores coros del tema principal hasta los exquisitos matices del tema "Wild violet", basado en un haiku del poeta japonés Basho, este disco rebosa de todo lo que nos gusta de Enya. En el 2006 saca compilaciones para coleccionista de todo el mundo. Pronto nos vendrá con nuevos temas para deleitar los oídos.

jueves

Los Abuelos de la nada - Biografía

Video: Lunes por La Madrugada (En Vivo-1986) - Abuelos de la Nada



Este grupo tuvo origen en La Cueva por iniciativa de Miguel Abuelo y Pipo Lernoud. En realidad, recorrieron el camino inverso que cualquiera de las bandas de la época. Abuelo acompañó a Lernoud a la compañía discográfica y repentinamente, el manager le preguntó si él también tenía su grupo. Ahí nomás, Abuelo inventó el nombre y acordó grabar a los tres meses. Debió, entonces, encontrar los músicos que lo secundaran. El guitarrista Claudio Gabis no aceptó unirse a Los Abuelos porque ya estaba ensayando con Manal, pero sí accedió a grabar con ellos. Luego entraría Norberto Pappo Napolitano como guitarrista estable.

El simple que lograron grabar incluía "Diana Divaga" y "Tema en flu sobre el planeta", pero el disco no se editó, sino que solamente tuvo alguna pobre difusión en radios. A los pocos meses, por "diferencias musicales", la agrupación decide disolverse. Abuelo se radicó en España y Pappo continuó un tiempo al frente del grupo, con una inclinación más hacia el blues. Junto a Cachorro Lopez, Miguel Abuelo regresa a la Argentina en 1979 y comienza la segunda etapa de Los Abuelos. Graban unos demos en 1981 y consiguen muchísima difusión en las radios. Editan "Guindilla ardiente" y "Mundos in mundos", dos simples. Sin dudas hay que remarcar la presencia de Andrés Calamaro en la banda, por entonces casi un adolescente que estaba a punto de formar una banda con Zeta Bosio cuando lo llamó Abuelo. Calamaro arrimó el sonido del grupo hacia el pop y el new wave de los 80, y compuso y cantó los que tal vez sean los dos éxitos más importantes del grupo: "Sin Gamulán" y "Mil Horas".

El primer álbum ("Los Abuelos de la Nada", 1982) fue producido por Charly García, mientras éste componía Pubis Angelical. Contenía hits que se convertirían en clásicos: "Sin gamulán" y "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí". El mismo García apadrinó el show presentación en el teatro Coliseo, en el cual tuvieron tanto éxito que los animó a iniciar una gira por el interior, que no pararía hasta fines de ese mismo año. La amistad de la banda con Charly terminaría por dar grandes resultados: los invitó a participar, como grupo soporte, de su presentación en Ferro, en diciembre de 1982, junto a Suéter. El primer Obras llegó en junio del '83, donde adelantaron material: "Espía de Dios", "No se desesperen" y "Sor Teresa". Estos temas se incluirían en la segunda placa, "Vasos y Besos", que se editaría a fines de ese año. El crecimiento de la banda quedaría demostrado con el show en el estadio de Velez, "descorchando el '84 con Vasos y Besos", sólo un diciembre después de la invitación de García a telonearlo. El tercer disco, "Himno de mi corazón" (1984) fue presentado en el Teatro Coliseo, en diciembre. Sin Melingo ni Bazterrica y con Afredo Desiata y Gringui Herrera en reemplazo, registraron los conciertos del Teatro Opera para sacar un disco en vivo.

En noviembre de 1985 se presentaron en el Festival Buenos Aires Rock & Pop, junto a Charly García, Nina Hagen, INXS y Fito Páez. El show sufrió muchos problemas de organización, lluvia torrencial e inoportunos cortes de luz. En el campo de juego, la violencia entre el público se incrementaba por las demoras. Miguel Abuelo cerró el show entonando "Himno de mi corazón", con la cara ensangrentada por un botellazo que había recibido. Para el último trabajo discográfico de Los Abuelos ("Cosas mías", 1986) ya la banda era distinta: Abuelo (voz), Kubero Díaz (guitarra), Juan Del Barrio (teclados), Marcelo Fogo (bajo) y Polo Corbella (batería). Con esta formación brindaron varios recitales, pero la convocatoria había descendido considerablemente. La agrupación se disolvió definitivamente a fines del '86. Miguel Abuelo murió de sida el 26 de marzo de 1988.

Nota: Cachorro López editó dos recopilaciones (en 1994 y 1995) con remasterizaciones y una versión bailable de "Marinero Bengalí".


Formaciones

Primera formación:

Miguel Abuelo: voz
Héctor "Pomo" Lorenzo: batería
Alberto Lara: bajo
Micky Lara: guitarra
Eduardo "Mayoneso" Fanacoa: teclados
Norberto "Pappo" Napolitano: guitarra

Segunda formación:

Miguel Abuelo: voz
Cachorro Lopez: bajo
Gustavo Bazterrica: guitarra
Andrés Calamaro: teclados
Daniel Melingo: saxo
Polo Corbella: batería

Discografía

"Diana Divaga" / "Tema en flu sobre el planeta", 1969 (simple)
"Guindilla ardiente", 1981 (simple)
"Mundos in mundos", 1981 (simple)
"Los Abuelos de la Nada", 1982
"Vasos y besos", 1983
"Himno de mi corazón", 1984
"En el Opera", 1985
"Cosas mías", 1986
"El álbum", 1991
"Los Abuelos de la Nada 1", 1994
"Los Abuelos de la Nada 2", 1995

viernes

Kiss - Biografía & Discografia

Video: I WAS MADE FOR LOVING YOU - KISS




Uno de los grandes símbolos rockeros de la década de los 70, Kiss traspasó el ámbito estrictamente musical para convertirse en todo un fenómeno social de cultivo adolescente, con raíces sonoras labradas en elementos del hard rock y del glam, espectaculares conciertos repletos de pirotecnia y atractiva estética con influencia del cómic y del citado glam-rock.

El embrión de Kiss fue la formación Wicked Lester, grupo de Nueva York en el cual se encontraban el cantante y guitarra rítmica Paul Stanley (de nombre real Paul Eisen, nació el 20 de enero de 1950 en Nueva York) y el bajista y también vocalista Gene Simmons (cuyo verdadero nombre era Chaim Witz, nacido el 25 de agosto de 1949 en Haifa, Israel). En 1972 trocarían su apelativo al incorporar al guitarrista y vocalista Ace Frehley (Paul Frehley nació el 22 de abril de 1951 en Nueva York) que había contestado a un anuncio publicado por Gene y Paul en la revista The Village Voice y al batería y cantante Peter Criss (nacido Peter Crisscoula el 27 de diciembre de 1947 en Nueva York), quien también respondió a otro anuncio, en este caso enviado a la afamada revista musical Rolling Stone.

Con sus rostros maquillados adoptaron diferentes personalidades: Paul Stanley era “Star Lover”, Gene Simmons el “Demon Lizard”, Ace Frehley “Space Ace” y Peter Criss “Cat Man”. Comenzaron actuando en Manhattan, lugar en donde fueron oteados por el productor Bill Aucoin quien pronto se convertiría en su representante, logrando para el grupo un contrato discográfico con el sello Casablanca, propiedad de Neil Bogart. En 1974 publicarían sus dos primeros discos grandes, "Kiss" (1974) y "Hotter than hell" (1974), dos excelentes trabajos producidos por Richie Wise y Kenny Kerner llenos de fuerza guitarrera, estribillos adhesivos y habilidad melódica, marcados por influencias de bandas como New York Dolls, Rolling Stones, Alice Cooper, T. Rex, Slade, Black Sabbath, Led Zeppelin e incluso Beatles. Temas como "Strutter", "Deuce", "Cold Gin", "Nothin' to lose", "Black Diamond", "Go to choose", "Parasite", "Let me go, rock'n'roll", "Hotter than hell", "Strange ways", "Goin' blind" o "Comin' home", son estas piezas de rock que demostraban el poderío del grupo como compositores e intérpretes. En 1975 presentarían el también indispensable "Dressed to kill" (1975), disco que contenía canciones como "Rock & roll all night" o "C'mon and love me" y que estaba producido por la propia banda junto a Neil Bogart. Por esa época, sus llamativas actuaciones en vivo ya causaban furor entre sus numerosos seguidores, que se multiplicarían tras la publicación del esencial directo "Alive!" (1975), grabación clave del grupo producida por Eddie Kramer (quien trabajó en diferentes apartados técnicos con los Beatles, Jimi Hendrix Experience, Family, Graham Gouldman, Traffic o Led Zeppelin) que los catapultaría hacia el estrellato. Parte de su gran legión de fans se agruparían en su popular club de fans Kiss Army. "Destroyer" (1976) sería un rotundo triunfo comercial para Kiss, que exhibía en sus surcos unos temas con producción más elaborada que en sus pretéritos vinilos, obra de Bob Ezrin. Su canción más popular sería la balada "Beth", que junto con grandes piezas rock como "Shout it out loud", "Detroit Rock City", "God of thunder", "Do you love me" o "King of the night time world" conformaban el álbum que les afianzaba definitivamente en el superestrellato. Esta tremenda popularidad fue aprovechada por la banda para inundar las tiendas con productos con su imagen de todo tipo, desde máquinas pinball, muñecos hasta cómics y juguetes.

También protagonizaron la película "Kiss meet the phantom of the park", telefilm que fue dirigido en 1978 por Gordon Hessler y producido por la Hanna Barbera. Antes de la llegada de la década de los 80, Kiss publicarían estimables discos como "Rock and roll over" (1976), "Love gun" (1977) o "Alive II" (1977) y el irregular pero nada desechable "Dinasty" (1979), en donde versionaban una rareza de los Stones titulada "2000 Man". En 1978 y en pleno auge de su carrera, los cuatro miembros del grupo lanzaron con distinta fortuna sus respectivos trabajos en solitario, alcanzando el cuarteto en esta aventura muy buenos resultados en las listas de éxito estadounidenses. Tras "Dinasty", el batería original Peter Criss abandonó la banda, siendo sustituido por Eric Carr (nacido el 12 de julio de 1950 en Nueva York). Previamente a la llegada de Carr y contratado para la grabación de su siguiente disco en estudio, "Kiss Unmasked" (1980) quien ocuparía el puesto en las baquetas sería Anton Fig. El cambio de década no resultó favorable para el grupo, ya que la desorientación sonora y la pérdida de calidad en sus grabaciones eran notorias. Ni el citado "Kiss Unmasked" ni "Music from the elder" (1981) podían compararse a los buenos momentos ofertados anteriomente por la banda. El siguiente en marcharse sería Ace Frehley, descontento con el rumbo musical del grupo. Su sustituto sería Vinnie Vincent (de nombre real Vinnie Cusano). Su siguiente trabajo fue "Creatures of the night" (1982), un respetable disco que tampoco logró retomar el nivel precio comercial de Kiss, todo lo contrario que "Lick it up" (1983), disco en el cual aparecían por primera vez sin maquillaje (previamente habían aparecido sin él en la MTV)."Animalize" (1984) tambien obtuvo buena acogida en las tiendas aunque resultó de inferior calidad que sus predecesores.

En mitad de la grabación Vincent dejaría el grupo siendo sustituido en las seis cuerdas por Mark St. John, que pronto tendría que abandonar a Kiss debido a problemas de salud derivados del sindrome de Reiter. El nuevo guitarrista sería Bruce Kulick. Los albums grabados en posteriores años carecían de la inspiración primeriza de la banda, pero fueron bien acogidos por sus fans. "Asylum" (1985), "Crazy Nights" (1987), "Hot in the shade" (1989) fueron los últimos trabajos como músico de Eric Carr, que lamentablemente fallecería de cáncer en el año 1991. Su sustituto sería Eric Singer, quien participaría en "Revenge" (1992), Lp que volvió a cosechar estimables ventas. En 1996 presentarían el "Alive III" (1996). Ese mismo año se volverían a reunir los cuatro componentes originales de Kiss, para iniciar una gira mundial y retornar a su antiguo maquillaje, hechos que les proporcionaría un multitudinario éxito, provocando también la grabación del disco "Psycho Circus" (1998). Este buen clima continuaría hasta comienzos del año 2001 cuando Peter Criss anunció que dejaba de nuevo el grupo, siendo reemplazado en los conciertos por Eric Singer. El legado de Kiss, infravalorado en su tiempo, se encuentra ahora mismo revalorizado con justicia y homenajeado por multitud de fans en tributos como "Kiss my ass" (1994), disco en el cual aparecían gente tan diversa como Anthrax, Lenny Kravitz, Garth Brooks, Stevie Wonder, Extreme, Dinosaur Jr., Lemonheads o Gin Blossons.


Sus Mejores Discos

Kiss (1974)
Hotter than hell (1974)
Alive! (1975)
Destroyer (1976)

miércoles

Miguel Ríos - El Pionero del Rock en Español

Video: Bienvenidos - Miguel Rios (Rock en Rio)





Miguel Ríos
El Pionero del Rock en Español


Miguel Ríos (Chauchina, Granada, 7 de junio de 1944) es un cantante, compositor, actor y pionero del rock and roll en España; es el hombre sobre y bajo el cual se sustenta toda la leyenda iniciática del movimiento.


Biografía

Nacido en el barrio de La Cartuja de Granada él fue el menor de los siete hijos de una familia humilde, con lo cual nada más acabar los estudios ya tuvo que ponerse a trabajar. Lo hizo a los 15 años y de dependiente en un bar. Después fue empleado de unos almacenes. Sin embargo, a Miguel no pudieron impedirle seguir con su sueño de ser cantante de rock and roll. Se presentó en un concurso de radio Granada, Cenicienta 60, acompañado de un grupo de amigos, y cantando una canción de Paul Anka, Tu eres mi destino, se llevó la victoria. Con permiso materno (su padre había muerto meses antes), un cazatalentos se lo llevó a Madrid con solo 16 años. Tras superar problemas como la falta de dinero o la de su carné de músico, el 2 de abril de 1961 grabó sus cuatro primeras canciones con destino a un EP. Para entonces el Rock and Roll (se decía) había muerto y lo que triunfaba era el twist. No tuvo, pues, nada de extraño que Miguel fuera bautizado como Mike Ríos, el rey del Twist. Lo importante era grabar.

Mike Ríos se hizo popular en televisión junto a Raphael durante la primera mitad de los años 60 (fue habitual de un concurso presentado por Joaquín Soler Serrano). En 1964, recuperó su nombre, olvidándose de lo de Mike, perdió a su grupo de acompañamiento, Los Relámpagos, e hizo su primera incursión en el cine, Dos chicas locas, locas lo que le asentó entre los cantantes más populares. Pero la búsqueda de su verdadera identidad fue lo que le llevó a sufrir diversos altibajos hasta que un cambio de compañía discográfica le colocó en la verdadera línea. A partir de 1967 llegaron Vuelvo a Granada, El río, Contra el cristal, El cartel y Mira hacia ti. Pero fue en 1970 cuando Miguel pasó de ser estrella en España a megaestrella mundial. Y no fue con el rock. Himno de la alegría (extracto del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven) amaneció en plena era del rock sinfónico, vendió tres millones de copias en todo el mundo y fue nº 1 en infinidad de países.

A partir de aquí la carrera de Miguel volvió a pasar del éxito al anonimato a lo largo de una década. Fue detenido y encarcelado por posesión de marihuana poco después de sus Conciertos de Rock y Amor, re emergió una vez más y entró en su etapa más concienciada con álbumes como Unidos, Memorias de un ser humano, La huerta atómica o Al-Andalus, menos rockeros y más líricos, alejados de su primer espíritu, hasta que Los viejos rockeros nunca mueren le devolvió al camino. Sin embargo, entre finales de los 70 y comienzos de los 80 nada hacía predecir que Miguel volvería a ser el Nº1. Primero fue con Santa Lucía y después en 1982, con la gran joya del rock ibérico de los 80: Rock and Ríos, doble álbum grabado en Madrid el 5 y 6 de marzo, siendo este su álbum más exitoso..


En el 2000, Miguel fue invitado por Alex Lora, vocalista de la banda de rock Mexicana El Tri, para cantar un dueto con Alex. La canción fue Madre Tierra que trata sobre la conciencia ambiental y la bioética. Esta canción aparece en el álbum No Podemos Volar que por cierto fue nominado al premio Grammy de rock en español. Y también se puede encontrar en el álbum oficial de los Premios Grammy a la Música Latina 2000. Miguel Ríos ha sido un buen amigo de la banda El Tri por más de 20 años ya que en el 1986 invitó a la banda a tocar en el magno evento del Festival Primer Encuentro Iberoamericano.



Discografía
(No se incluyen recopilaciones)

Mira hacia ti 1969
Despierta 1970
Unidos 1971
Miguel Ríos en directo: Conciertos de Rock y amor.1972
Miguel Ríos: Éxitos 1973
Memorias de un ser humano 1974
La huerta atómica 1976
Al-Andalus 1977
Los viejos rokeros nunca mueren 1979
Rocanrol bumerang 1980
Extraños en el escaparate 1981
Rock and Rios 1982
El Rock de una noche de verano 1983
La encrucijada 1984
Lo más de rock en el ruedo 1985
El año del cometa 1986
Que noche la de aquel año 1987
Miguel Ríos 1988
Directo al corazón 1990
Así que pasen treinta años 1992
Por siempre 1995
Canciones de amor para tiempos difíciles 1995
Como si fuera la primera vez 1996
Miguel Ríos en concierto: Big Band Ríos 1998
Ana Belén, Miguel Ríos cantan a Kurt Weill 1999
Miguel Ríos y las estrellas del rock latino 2001
60mp3 2004

viernes

Paul McCartney - El Desafío

Video: No More Lonely Nights - Paul McCartney (1984)




Nacido el 18 de junio de 1942, James Paul McCartney siempre tuvo talento para la composición y la creación. De hecho, además de cantar pinta. Su primera canción, “I Lost My Little Girl”, la compuso a los 14 años y a los 15 ya componía junto a Lennon en lo que sería el semillero de los Beatles.

McCartney ha sido el ex Beatle más prolífico en cuanto a creacción y éxito comercial. Entre el material compuesto para los Beatles, los Wings y para su propio trabajo, ha estado en los créditos de más de 50 canciones que estuvieron en el Top 10. Desde la aparición de su primer disco, “McCartney”, ha lanzado un disco al año en promedio, aunque no todo su material ha sido rock o pop. Amén de lo que puedan decir los número, el trabajo de McCartney lo convierte en uno de los músicos más importantes del siglo XX. Al igual que Lennon y Harrison, Paul McCartney empezó a explorar nuevas vías creativas a finales de los 60 mientras aún formaba parte de la banda. Mientras sus compañeros lanzaban material experimental, él se dedicó a componer y producir para otros artistas, incluyendo la banda sonora de la película “The Family Way”. Después de su matrimonio con Linda Eastman en marzo de 1969, Paul McCartney se dedicó a trabajar en su primer disco en solitario. En abril de 1970 cerca del lanzamiento de su disco, anunció que los Beatles se separaban. El anuncio estaba en contra del deseo de los otros tres miembros, pero era esa tirantez entre McCartney y los otros tres lo que terminó de enterrar al grupo más famoso.

La salida de McCartney de los Beatles quedó firmada con su disco. En él hizo la guitarra, el bajo, la batería y el teclado. De esa manera se anticipó a una década en que el cantante compositor iba a ser el eje de la creación, frente a unos años sesenta en que la creatividad era más grupal. “McCartney” apareció dos semanas antes que “Let It Be”. Un año después lanzó “Ram” un disco en cuyos créditos aparecían Paul y Linda McCartney y del que se extrajo "Uncle Albert/Admiral Halsey" que llegaría a ser número uno. Durante los años 70, en medio de la aparición de agrupaciones, estrellas de rock importantísimas y el movimiento punk, McCartney optó por presentarse ante la gente como un hombre de familia que vivía de la música. Esta imagen se reforzaba con la presencia de su fallecida esposa Linda Eastman en la formación de Wings. En esa época, sus canciones, hablaban de los placeres mundanos de la vida diaria y se combinaba con un estilo musical asentado, sin grandes pretensiones, pero pulido y claro. Eso nunca llamó la atención de los críticos. Si se mira a cada Beatle por separado, McCartney era el melodista de la banda y su música sigue siéndolo aún hoy. Quizás es por eso que sus nuevos sencillos no son lo pegajoso que se necesita para que se conviertan en un éxito de ventas. Por el resto de los años 70 se dedicó exclusivamente a levantar su grupo “Wings”. Algo más grande que los Beatles, en sus diez años de existencia Wings cambió de integrantes con cierta regularidad. Sin embargo, su intención era que el grupo fuera percibido como tal y no como el grupo de McCartney. La banda conoció el éxito en 1973 con “Band On The Run”. El LP fue producto del trabajo de los McCartney y el guitarrista Denny Lane y produjo tres éxitos que recordaron la época en que los Bealtes eran divertidos, reflexivos y a la vez enérgicos. "Jet," "Band on the Run" y "Helen Wheels llegarían a estar entre las 10 canciones más importantes en las listas de Estados Unidos. A la banda se unieron el guitarrista Jimmy McCullough y el baterista Joe English, junto con quienes lanzaron " Venus and Mars ” y “Wings Over America”. Fue una racha de 5 álbumes que se convirtieron en número uno y que demostraban que McCartney tenía claro el sentimiento de los 70.

Cuando el movimiento del rock punk estaba en su punto más alto, McCartney era considerado como uno de los que marcaba la pauta. Fue en ese momento que salió a la venta el 45 "Mull of Kintyre", que se convertiría en el sencillo más vendido en la historia de Inglaterra. La popularidad de los Wings llegó a tal punto que siete años después de fundado sacaron un LP de 13 canciones con sus éxitos, y eran sólo éxitos. En 1979 los Wings cambiaron de sello grabador de Capitol a Columbia y lanzaron el que sería su último disco: “Back to the Egg”. A inicios de 1980 McCartney grabó su segundo disco en solitario “McCartney II”, en el que hace todos los instrumentos. Al año siguiente, 1981, Denny Lane decide dejar a los Wings debido a que no quería salir de gira luego del asesinato de John Lennon. Eso separó definitivamente a la agrupación. Así las cosas, Paul McCartney seguiría por la senda del solitario y en 1982 lanza “Tug of War” en 1982 en el que trabajó conjuntamente con el ex productor de los Beatles George Martin. El LP contenía el dueto que se convertiría en número uno: “Ebony and Ivory” con Stevie Wonder. El disco fue considerado lo mejor desde “Band On The Run”. Además, grabó “The Girl is Mine” con Michael Jackson para el LP “Thriller”. Jackson le devolvió el favor con “Say, Say, Say”, que venía en el disco “Pipes of Peace”. La relación entre los dos músicos se agrió cuando Jackson compró los derechos de las canciones de los Beatles en 1985. Desde “Give My Regards to Broad Street”, la banda sonora de la película que él dirigió, en el que rehizo algunas canciones de los Beatles, McCartney empezó a llevar las cosas con más calma y se dedicó a producir música más ecléctica en al experimentaba con instrumentos y ritmos, incluso un par de discos “rave” bajo el seudónimo del “Bombero”. En 1991, sacó un disco en el que estaban todos los componentes de la música clásica (“Liverpool Oratorio”), más tarde seguido por “Standing Stone” de 1997. El trabajo que implicó al edición de “Anthology” de los Beatles produjo, también en 1997, “Flaming Pie”. Un disco en el que trabajaba sobre sus raíces musicales pero con la experiencia de los años. En ese momento dijo: “'Antology' fue muy buena para mi porque me hizo recordar a los estándares de los Beatles y los estándares que alcanzamos con las canciones.” Otro proyecto personal fue “Wide Prairie”, un disco con canciones de su desaparecida esposa Linda. Reconocida por mérito propio como fotógrafa, defensora de los animales, amante de la cocina vegetariana, esposa, madre y compañera, falleció de cáncer en el pecho en 1998. Después de haber honrado a su esposa volvió a sus raíces rocanroleras con “Run Devil Run” de 1999, un disco que se grabó en una semana, algo así como lo que hacían los Beatles en sus primeros días. En el disco se incluyó "I still love my rock and roll", la forma de desmentir que se había convertido en músico de orquesta y auditorio. Recientemente se divorció de su segunda esposa en los mejores términos, aunque los medios ingleses no lo pintaron de esa manera. En defensa de su ex, a la que llegaron a acusarla de actriz porno, McCartney salió a pedir que la dejaran en paz.

Discografía

McCartney
Ram
Wild Life
Red Rose Speedway
Band on the Run
Venus and Mars
Wings at the Speed of Sound
Wings over America
London Town
Wings Greatest
Back To the Egg
McCartney II
Tug Of War
Pipes of Peace
Give My Regards to Broad Street
Press to Play
All the Best
CHOBA B CCCP the Russian Album
Flowers in the Dirt
Tripping the Live Fantastic
Tripping the Live Fantastic - The Highlights
Unplugged - The Official Bootleg
Paul McCartney's Liverpool Oratorio
Selections from Paul McCartney's Liverpool Oratorio
Off The Ground
Paul is Live
Strawberries, Oceans, Ships, Forests
Flaming Pie
Standing Stone
Rushes
Band on the Run (25th. Anniversary Edition)
Run Devil Run
Working Classical
Liverpool Sound Collage
Wingspan
Driving Rain
Back In the US
Back In the World

Uno de sus Grandes Exitos

No More Lonely Nights

I Can Wait another Day Until I Call You
You've Only Got My Heart on a String and Everything a Flutter
But Another Lonely Night (And another, and Another)
Might Take Forever (And another, and Another)
We've Only Got Each Other To Blame
It's All The Same To Me Love
'Cause I Know What I Feel To Be Right
No More Lonely Nights
No More Lonely Nights
You're My Guiding Light
Day or Night I'm Always There

May I Never Miss the Thrill of Being near You
And If It Takes a Couple of Years
To Turn Your Tears to Laughter
I Will Do What I Feel To Be Right

No More Lonely Nights
Never Be Another
No More Lonely Nights
You're My Guiding Light
Day or Night I'm Always There
And I Won't Go Away Until You Tell Me So
No I'll Never Go Away

Yes I Know What I Feel To Be Right
No More Lonely Nights
Never Be Another
No More Lonely Nights
You're My Guiding Light
Day or Night I'm Always There
And I Won't Go Away Until You Tell Me So
No I'll Never Go Away
I Won't Go Away Until You Tell Me So
No I'll Never Go Away
No More Lonely Nights, No No

Pink Floyd - Biografía

Video: Another Brick in the Wall (parte 2) - Pink Floyd (1980)




El grupo Pink Floyd nació en Cambridge, como la evolución de un pequeño grupo de aficionados a la música, 'Arquitectural Abdams'(anteriormente 'Sigma 6'), que debían su nombre al hecho de que la mayoría de sus miembros estudiaba arquitectura en la Universidad Politécnica de Londres.

Los componentes del grupo, por aquel entonces, eran: Nicolas Mason, Roges Waters, Richard Wright, Clive Metcalf, Juliette Gale y Keith Noble. Cuando Clive y Juliette abandonaron el grupo, se les unió Roger Keith 'Syd' Barret. Fue entonces cuando decidieron cambiar el nombre del grupo para iniciar una nueva etapa, bautizándolo como Pink Floyd, en honor a dos ídolos del blues: Pink Anderson y Floyd Council. El grupo queda conformado definitivamente con Nick Mason en la batería, Roger Waters en el bajo y como cantante, Richard Wright en los teclados y Syd Barret con la guitarra. Su primera intención era hacer una especie de blues, aunque con variaciones instrumentales, y combinando todo ello con un gran juego de luces que revolucionaran la estética de los escenarios. En sus inicios participan en varios espectáculos donde dieron a conocer su revolucionaria forma de entender la música (un nuevo movimiento llamado Psicodelia). En 1967 lanzan su primer álbum, 'The Piper at the Gates of Dawin' y varios sencillos, a la vez que realizan una gran gira por Inglaterra. Los problemas de Syd con las drogas crean problemas en el grupo, principalmente en las actuaciones en directo, lo que obliga a su sustitución por David Gilmour, su maestro de guitarra, quien además colaboraba con las voces. En 1968 publican su segundo disco completo, 'A Saucerfull Of Secrets' Ese mismo año graban 'Ummagumma', un disco doble con sus principales temas en directo y algún tema inédito. También inician la grabación del disco de su primera película 'More'. 'Ummagumma' consta de una parte en vivo y otra parte grabada en estudio, en la que los distintos miembros del grupo hacen interpretaciones de lo que en ese momento se les ocurre. Es la improvisación en estado puro y con una gran calidad. En 1970 publican 'Atom Heart Mother', una sinfonía con la que alcanzan los primeros puestos en las listas europeas. Al año siguiente publican uno de sus mejores discos, 'Meddle', un resumen del estilo musical de Pink Floyd. También publican una recopilación de sus mejores temas, bajo el título de 'Relics'. En 1972 editan la banda sonora de su segunda película 'La Vallee'. El título del disco: 'Obscured By The Clouds'. En 1973 terminan la grabación de un nuevo álbum. El resultado: 'The Dark Side Of The Moon', seguramente el mejor disco de la banda, con más de treinta millones de copias vendidas, batiendo todos los records de permanencia en las listas de éxitos, con más de diez años de éxito continuado. El disco estaba lleno de efectos de sonido y canciones que abordaban la temática del hombre presionado por la sociedad, que le lleva al borde de la locura. Fue número uno en Estados Unidos y número dos en Inglaterra y su tema más representativo, 'Money'. Realizaron una gira apoteósica con un ingente despliegue de luces y sonidos como no se recuerdan en la historia de los conciertos en directo. En 1975 publican un nuevo éxito: 'Wish You Were Here', un homenaje a su antiguo compañero Syd Barret, con el tema estrella 'Shine On Your Crazy Diamond', compuesto por Roger Waters. Un año después publican 'Animals', con el que Roger Waters comienza a ejercer como líder del grupo, imprimiendo su carácter en muchos de los temas. Después de varios discos en solitario de sus miembros, y cuando parecía que el efecto de los Pink Floyd se desvanecería con la entrada de la nueva década, publican a finales de 1979 un nuevo doble: 'The Wall'. El disco trata la historia del fracaso de una estrella del rock. El disco fue número uno en Estados Unidos durante quince semanas. 'The Wall' fue uno de los últimos discos de los Pink Floyd. Las diferencias entre los miembros del grupo y el papel predominante que comenzó Roger Waters terminó con la separación, aunque todavía tuvieron tiempo de publicar en 1983 'The Final Cut', el último disco con Roger Waters y con la ausencia de Richard Wright. Con la formación compuesta por Gilmour, Mason y Wright han editado 'A Momentary Lapse of Reason' (1987), 'Delicate Sound of Thunder' (1988), The Division Bell' (1993) y 'Pulse' (1994), Roger Waters, por su parte, ha publicado 'The Pros and Cons of Hitch Hinking' (1984), 'Radio KAOS' (1987) y 'Amused to Dead' (1992).

Queen - La Reina

Video: Queen - Bohemian Rhapsody





Biografía

En 1968 el grupo formado por estudiantes. Brian May (guitarra), Tim Staffel (bajo y voz) y Roger Taylor (batería). Se llamaba Smile en una de las actuaciones de Pink Floyd en el Imperial College de Londres, fueron teloneados por este grupo).


A partir de ahí, Smile consiguió una cierta popularidad entre el público universitario, hasta que un día alguien se fijó en ellos y los fichó para grabar un single que, por cierto, sólo salió en Estados Unidos, cosas de la industria de aquella época. Ni que decir tiene que no tuvo ninguna repercusión, al menos donde a ellos les interesaba que era en su propio país, de manera que Tim Staffel se hartó y dejó el grupo en 1970. Para sustituirle pensaron en un conocido de Roger Taylor, un cliente asiduo de la tienda de ropa en la que trabajaba y alguien que frecuentaba las actuaciones de Smile, se llamaba Farookh Bulsara pero todos le llamaban Freddie. Era una persona bastante introvertida, pero que siempre tuvo la idea de montar un grupo de rock en el cual el aspecto visual tuviera gran importancia, algo así como un espectáculo musical con base de rock potente, tipo Led Zeppelin o Jimi Hendrix, que diera forma a algo bastante alejado de la idea clásica de los Beatles. El primer paso fue cambiarle el nombre al grupo, que pasó a llamarse Queen, y después hubo que buscar un nuevo bajista. Tras un año probando con diferentes músicos, al final se les unió definitivamente John Deacon a mediados de 1971.


PRIMER DISCO: “QUEEN” (1973)

Durante los dos años siguientes se dedicaron a madurar la idea de grupo que querían para Queen. No solamente la teatralidad rockera, sino también el tratamiento de las voces, guitarras y el aspecto general de su música, aparte de componer temas con suficiente calidad como para grabar un primer disco que impactara, y tras la reclusión voluntaria comenzaron las sesiones de grabación gracias a ciertos contactos que tenían en la compañía y estudios Trident. Las condiciones de grabación no es que fueran precisamente las mejores, pero se conformaban con grabar en el mismo estudio en el que trabajaban como músicos de alquiler o probando equipos para otros, cuando las estrellas (Bowie o Elton John) terminaban de grabar lo suyo, la mayoría de las veces por la noche o de madrugada. Una vez terminado el primer disco, EMI se hizo cargo de él y lo publicó en julio del 73 junto con el primer single “Keep your self alive”. Lo que contenía el LP eran 10 temas en los que dominaban las voces y las guitarras. Sonidos duros, guitarras saturadas con punteos doblados sobre los que se dibujaban líneas vocales muy onduladas, con abundancia de coros en varias voces y mucha riqueza orquestal, acústicas, piano... O lo que es lo mismo, el estilo de Queen prácticamente perfilado, ese que luego maduraron y repitieron a lo largo de su vida artística, con más o menos acierto.

LA CONFIRMACIÓN: “QUEEN II” (1973)

La sofisticación en el sonido, con un cierto aire glam (todo lo contrario a la actitud hippie que acababa de arrasar) atrajeron no solamente al público sino también a la propia EMI, quienes viendo que ahí había materia prima decidieron que el segundo disco del grupo había que grabarlo inmediatamente, y no ya en los ratos muertos del estudio, sino con todo el tiempo del mundo. De forma que en septiembre de 1973, apenas un par de meses después de la publicación del primer disco, comenzaron las labores de grabación del segundo. Paralelamente a la grabación, Queen iniciaron una gira como teloneros de Mott the Hoople por todo U.K., incluyendo una espectacular actuación en el Imperial College de Londres, de la que siempre han dicho fue su lanzamiento definitivo. De ahí se derivaron algunas actuaciones fuera del Reino Unido y otra en el prestigioso programa de TV “Top of the Pops” sustituyendo a David Bowie. Para esta ocasión editaron en single “Seven seas of Rhye”, ya incluido en el primer disco, pero con bastantes modificaciones (la versión del primer disco es instrumental y de poco más de un minuto de duración) y la presentaron en el programa, lo que les sirvió para entrar en las listas de venta británicas con muy buen resultado de ventas. Era febrero de 1974. Un mes más tarde se publicó “Queen II”, con el que consiguieron superar en ventas al disco anterior. La línea general del disco era similar a la de “Queen”, con alguna concesión más a las guitarras acústicas y al refinamiento (en una onda muy Led Zeppelin, su grupo de referencia) pero sin perder ni pizca de dureza, todo lo contrario, quizá la mejor definición sea una mezcla perfecta entre los Who y Led Zeppelin con la melodía característica de su propio primer disco. Se incluyó la versión del “Seven seas of Rhye” que apareció para Top of the Pops y fue su tema más destacado de los 11 que componen el LP. Prepararon una gira por Inglaterra para la que llevaron de teloneros a los Nutz de Dave Lloyd. Una vez terminada la gira se les presentó la oportunidad de repetir como teloneros para Mott the Hoople, pero esta vez en Estados Unidos. La mala fortuna quiso que unos días después de iniciar la gira tuvieran que abandonarla por problemas de salud de Brian May, y el lugar de Queen lo ocuparon Kansas, banda que estaba dando sus primeros pasos también por aquella época.

“SHEER HEART ATTACK” (1974)

Los problemas de salud de Bryan May no terminaban. De hecho, en la grabación del tercer disco apenas apareció más que para grabar las guitarras y algunas voces en momentos en los que podía tenerse en pie. Esto pudo ser la causa de que “Sheer heart attack”, publicado en noviembre de 1974, contuviera algunos temas que iban evolucionando a partir del hard rock de los primeros dos discos, por ejemplo “Killer Queen”, su tema-estrella del álbum, el cual ya incluía algunos elementos que iban a suponer las señas de identidad posterior del grupo. El caso es que a partir de bases duras estaban empezando a coquetear con el pop y, sabiendo que May es el elemento más heavy del grupo, probablemente su escasa aportación al día a día de la grabación hizo posible el inicio de la paulatina transformación. Sin embargo, todavía seguía siendo un disco de pleno hard rock con temas históricos como “Brighton rock”, “Now I’m here” o el bestial “Stone cold crazy” (versionado por Metallica y asiduo en su repertorio en directo). Después de la publicación del disco vino una gira por los USA y otra por Japón, donde el disco fue Nº 1.

“A NIGHT AT THE OPERA” (1975)

Estaba claro que Queen daba para mucho y podían llegar mucho más lejos. Ellos también tenían claro que tenían que realizar algunos cambios sensibles para poder despegar definitivamente, y entre ellos estaba la renegociación del contrato con EMI y partir peras con su manager Jack Nelson, con quien se llevaban bastante mal. Tenían entre manos un proyecto de disco para el que necesitaban mucha infraestructura, incluyendo también mucho dinero y una campaña de promoción brutal. John Reid, manager de Elton John, les incluyó en su nómina con la intención de hacer de Queen un grupo a la altura de unos Led Zeppelin. Pero también necesitaban grabar ese disco que les diera el empujón definitivo, y lo hicieron. Se tituló “A night at the Opera” y se publicó en noviembre de 1975, tras cuatro meses de grabación (Solo “Bohemian Rhapsody” se llevó tres semanas de esos cuatro meses). Este disco tenía muchos elementos distintos a los publicados anteriormente. No se centraba tanto en el trabajo de guitarra, pasando ese protagonismo a las voces. Las composiciones eran más largas y más recargadas, mucho más intrincadas armónicamente y de entre ellas sobresalía “Bohemian Rhapsody”, el tema más emblemático de toda la carrera de Queen. Se eligió como single, aunque algunas emisoras tuvieron bastantes reparos en pincharlo debido a su longitud y a lo ‘raro’ de la propuesta, ya que mezclaba en una misma pieza partes heavies con otras operísticas o más lentas. Poco a poco fueron sucumbiendo ante la evidencia de estar frente a una de las grandes canciones de la historia del Rock y finalmente tanto el single como el disco tuvieron el reconocimiento que se merecían, aparte de convertirse en superventas. El LP se abría con “Death on two legs (dedicated to...)”, en la que ponían a parir a su anterior manager Jack Nelson. Otros temas eran las conocidas (por más asequibles) “You’re my best friend” (segundo single) o “Love of my life”, pero también están “You’re in love with my car”, mucho más dura, la intrincada “The prophet’s song” con esas voces dobladas del propio Mercury, o ritmos de cabaret años ‘20 como el de “Seaside rendez-vous”. En un par de meses llegó a vender un millón de copias, y una de las principales ayudas para llegar a vender tanto fue la edición de lo que muchos consideran el primer video-clip de la historia, un montaje de imágenes del grupo con “Bohemian Rhapsody” de fondo. Se montaron varias giras por Estados Unidos y Japón con la particularidad de que cuando tocaba interpretar “Bohemian Rhapsody”, al no poder reproducir en directo la parte operística central, el grupo abandonaba el escenario porque no querían tocar en play-back mientras sonaban las voces pregrabadas, y regresaban para ligar con la parte siguiente.

“A DAY AT THE RACES” (1976)

De lo que no entró en “A night at the opera” se construyó este nuevo. No son ‘sobras’ del anterior, sino temas escritos a la vez que no pudieron entrar pese a la idea inicial de Brian May de publicar un disco doble. Empezaron a preparar los temas del nuevo disco a finales de verano, y se publicó en diciembre de 1976, con un primer single titulado “Somebody to love”, una especie de gospel muy en la línea de los temas del disco anterior y cuando todo el mundo ya tenía asumido que los Queen crudos de los dos primeros discos habían dado paso a otros de hard rock aderezado con elementos tan variados como los mostrados en estos dos últimos discos. Otro ejemplo de esto mismo es “Good old fashioned lover boy”, en el que mezclan un efectivo solo de May con buenísimas voces y aires de película musical americana. Sin embargo, “A day at the races” contenía también cortes como “Tie your mother down” o “White man”, en los que May se suelta la melena y que sirvió también para que los seguidores más duros no dieran la espalda al grupo.

“NEWS OF THE WORLD” (1977)

En 1977, la ampulosidad de Queen empezó a contrastar con el incipiente punk liderado por los Sex Pistols, quienes cuestionaron la concepción megalómana del rock de la época presentando temas simples y directos. Aquellos que tenían las ideas claras no se sintieron atacados, pero algo de mella hizo en todos los grandes grupos de los setenta, especialmente los más glamourosos, y Queen no fueron una excepción. En ese año graban y publican su siguiente disco “News of the world”, bastante distinto a los dos anteriores por estar mucho menos obsesionados con las partes operísticas y los guiños a otros estilos que no fueran rock puro, y por lo tanto con más espacio para las guitarras y los sonidos duros. Ejemplos en la archiconocida “We will rock you”, “Sheer heart attack” o “Fight from the inside”. Había también reminiscencias al rock and roll clásico como en “Sleeping on the sidewalk”, baladas para el lucimiento de Freddie Mercury como “My melancholic blues” y por supuesto “We are the champions”, que salió como single. Por aquella época hubo una crisis entre el grupo y su manager que terminó con la marcha de éste, para que John Deacon se hiciera directamente con el control de la actividad extramusical del grupo. Lo primero que hizo John fue preparar una gira europea para 1978 y la grabación del siguiente disco de estudio, “Jazz”.

“JAZZ” (1978) Y “LIVE KILLERS” (1979)

Para la grabación de este disco volvieron a llamar a Roy Thomas Baker, quien ya les había producido “A night at the opera”. A la criatura la pusieron por título “Jazz”, aunque éste no tuviera nada que ver con su contenido ni por asomo. Se iniciaba con “Mustapha” una cosa rara de aires árabes, pero también contenía temas tan importantes en la carrera de Queen como “Fat bottomed girls”, “Don’t stop me now” o su primer single “Bicycle race” con polémica incluida al grabar un clip de la canción incluyendo varias fans desnudas en bicicleta en el estadio de Wimbledon. A pesar de esto, “Jazz” obtuvo críticas feroces de la prensa especializada debido, sobre todo, al carácter continuista con respecto a “News of the world” y con la presión del punk como agente desestabilizador. Aun así, la gira de presentación de 1979 fue espectacular, en ella se incluyó Japón y a la vuelta grabaron varios conciertos en el tramo europeo para ser publicados como disco en directo, era abril de 1979. “Live killers” salió en junio y la gira posterior les ocupó el resto del año. Ya les habían propuesto escribir la música para la película “Flash Gordon”, y fue durante esa época cuando iniciaron los trabajos de composición, que duraron cerca de dos años, aprovechando el rescoldo del disco en estudio y con el margen de tiempo que les dio el directo, que fue doble y, al menos en España, se publicó censurado con unos pitidos en algunas partes del disco coincidiendo con comentarios de Freddie, por ejemplo en el inicio de “Death on two legs”. Curiosidades de la industria discográfica. Contenía todos los éxitos de listas del grupo hasta la fecha, “We will rock you”, “Killer queen”, “Bicycle race”, “Don’t stop me now”, “Bohemian rhapsody”, etc. pero también dejaba clara la vocación de Queen por el rock duro al elegir temas en esa onda, algunos con partes realmente memorables, como el solo de guitarra de Brian May en “Brighton rock”, muy espectacular para aquel momento.

“THE GAME” (1980)

A finales de 1979 se publicó el single “Crazy little thing called love”, una especie de rockabilly a lo Elvis. Tuvo tanto éxito que iniciaron una gira a la que llamaron “Crazy tour”, primero por pequeños garitos británicos, y luego extendiéndola por otros países teniendo como punto álgido la participación en los “Concerts for the people of Kampuchea” junto con otros grandes grupos como los Who, Pretenders o los Wings de Paul McCartney. Este tema entró a formar parte del siguiente disco en estudio, aunque antes incluso de empezar a grabar el LP se publicó otro single de adelanto con “Save me”. Una vez concluidas las tareas de grabación se publicó un tercer single con “Play the game” y por fin, en junio de 1980 sale a la venta “The game”, uno de los discos más controvertidos de toda su discografía. Parece como si con el directo “Live killers” hubieran querido zanjar una época y ponerse al día rápidamente con la llegada de la nueva década, al menos “The game” tenía poco que ver con discos anteriores en cuanto al sonido general del grupo y la forma de componer, mucho menos recargada. Dicho ‘nuevo’ sonido tuvo varias características: la utilización de sintetizadores en determinadas partes, la mayor sencillez en las composiciones, el alejamiento progresivo de los sonidos heavies y el acercamiento a otros estilos como el funky. Precisamente esto último les dio pingües beneficios con “Another one bites the dust”, lo que en el momento se llamó un “llena-pistas” (calificativo hortera donde los haya). Sin embargo, y pese a la división de opiniones, “The game” contenía temazos como “Dragon attack” o “Rock it” que mantenían a los fans más rockeros al pie del cañón, aunque este último tenía arreglos de sintetizadores que encresparon los ánimos de los más puristas.

“B.S.O. FLASH GORDON” (1980)

Una vez en la calle el nuevo disco aprovecharon para hacer otras cosas y tomarse un respiro. Roger Taylor publicó un disco en solitario, y entre todos se pusieron manos a la obra para terminar el encargo hecho por Dino DeLaurentiis sobre la película “Flash Gordon”.
El resultado fue casi tan malo como la propia película. Poca cosa salvable, si acaso el single “Flash” quien no evitó que la banda sonora marcara uno de los momentos más bajos de la carrera musical de Queen, aunque todavía llegaron cosas peores...

CAÍDA Y VACACIONES: “HOT SPACE” (1982)

Todos los grupos tienen su punto negro, y éste es el caso. La influencia del tecno-pop, en dura pugna con el heavy metal de la nwobhm, ganó la batalla. Las guitarras prácticamente desaparecieron (sólo existen en “Put out the fire”), dando paso a bases rítmicas compuestas especialmente para las pistas de baile, con el bajo machacón y la batería completamente perdida entre arreglos de sintetizadores. Si acaso destacar que cuando estaban grabando el disco en Suiza se acercó por allí David Bowie y aprovecharon para grabar con él “Under pressure”, el single de adelanto.“Greatest hits”, un recopilatorio con los singles de más éxito de su carrera pero con pocas concesiones a los cortes más rockeros del grupo.

“THE WORKS” (1984)

Durante el periodo de alejamiento de Queen, cada miembro por separado hizo sus colaboraciones o pinitos en solitario, pero a finales de 1983 volvieron a reunirse para empezar a trabajar en un nuevo disco que hiciera olvidar el horroroso “Hot space” y todo lo que le rodeaba. El primer single de “The works” no hacía presagiar ningún cambio: se trataba de “Radio ga-ga”, una decidida apuesta por el pop de listas de éxito carente de interés para los amantes de los Queen de los setenta, pero que devolvió al grupo al primer plano de la actualidad musical. El LP completo salió en febrero de 1984, y más de uno respiró aliviado al escuchar cortes poderosos como “Tear it up” o “Hammer to fall”, o incluso “Man on the prowl” que iba muy en la línea de “Crazy little thing called love”. Sin embargo sólo fueron un espejismo. Cosas como “I want to break free” siguieron sumando pasta a las arcas del grupo y haciéndoles sentirse a gusto, lo que definitivamente eliminó cualquier posibilidad de volver a recuperar a los Queen de antaño. Por cierto, el clip de “I want to break free” aún hoy causa admiración por la caracterización de los músicos. Aquel año fue bastante productivo en lo que se refiere a publicaciones del grupo, pues además de “The works” también pusieron a la venta el vídeo “We will rock you” con actuaciones en Canadá en 1981. Roger Taylor editó su segundo disco en solitario y Freddie Mercury publica el single “Love Kills”, que posteriormente formó parte de la banda sonora de la película “Metrópolis”. El año siguiente no grabaron LP, pero hicieron cosas memorables como participar en los macrofestivales “Rock In Rio” de Rio de Janeiro y en el “Live AID” que montó Bob Geldof (Boowmtown Rats) en el estadio Wembley de Londres el 13 de julio de 1985 junto a otro montón de grupos históricos. También fue el año en el que Freddie Mercury publicó su primer disco en solitario (abril de 1985), “Mr. Bad Guy”, y en el que vio la luz una caja recopilando todos los discos del grupo, además de uno de canciones inéditas y rarezas titulado “Queen: The complete works”.

“A KIND OF MAGIC” (1986), GIRA Y DIRECTO

Siguiendo la costumbre de publicar singles antes que LPs, le tocó el turno a “One vision” para promocionar el siguiente disco de estudio “A kind of magic” (en la calle en mayo del 86). Este disco también sirvió para ponerle música a la primera parte de la película “Los inmortales” de Russell Mulcahy. El contenido no hacía demasiadas concesiones al rock duro (“Give me the price” es la más potente), más bien es una colección de canciones de pop perfectamente radiables y auténticos hits en potencia. La que le da título, “A kind of magic”, sonó hasta la saciedad, igual que “Friends will be friends” o “Who wants to live forever”. El verano de 1986 fue bastante movido. John Deacon hizo la banda sonora de otra película: “Biggles”, y el grupo se embarcó en el “Magic tour” que les llevó a tocar al otro lado del telón de acero (concretamente en Budapest) y en el macrofestival de Knebworth ante más de 200.000 personas y que constituyó el último concierto en directo de Queen, aunque nadie lo sabía, ni siquiera ellos mismos (estoy obviando la actuación del concierto-tributo a Freddie Mercury tras su muerte, lógicamente). De las actuaciones en Budapest y en el Wembley se publicaron sendos vídeos, y viendo que había algunas tomas muy buenas decidieron por sorpresa editar un disco en directo titulado “Live magic” en el que se incluían los éxitos más recientes (“One vision”, “A kind of magic”, “I want to break free”, “Radio ga-ga”...) y los imprescindibles (“Bohemian rhapsody”, “We will rock you”, “We are the champions”...).

“THE MIRACLE” (1989)

Tras el “Magic tour” se toman un descanso prolongado. En 1987, Freddie publica un single titulado “The great pretender” de bastante éxito, y también colabora con la cantante de ópera Montserrat Caballé en la grabación de la canción “Barcelona”, la cual fue adoptada como himno oficial de los juegos olímpicos de Barcelona’92. Visto el éxito, Freddie Mercury y Montserrat Caballé grabaron más canciones y dieron forma a un LP completo. El resto de miembros del grupo también hizo alguna cosilla para entretener el tiempo, Brian May produjo varios grupos y participó con Meat Loaf en la confección del tema-himno de los juegos paraolímpicos de Los Ángeles, y Roger Taylor montó un grupo llamado The Cross con los que editó un LP en 1988. Pero 1989 comenzó con el anuncio de la grabación de un nuevo disco en estudio, “The miracle”, que finalmente apareció publicado en la primavera de ese año. El single de adelanto, “I want it all” era bastante contundente, lo que hacía presagiar que aumentarían los guiños al hard rock, y no tanta concesión a la comercialidad. Bueno, el resultado no es que fuera el de un disco netamente rockero, pero bastante más guitarrero que su predecesor sí era. Contenía algunas canciones como “The invisible man”, “Scandal” o “Breakthru” especialmente diseñadas para hacer caja, pero en general se puede hablar de una mejora considerable en la calidad de las composiciones. A finales de año se publicó una rareza en directo, “Queen at the Beeb” , la grabación de un concierto en ese local en 1973. Otra cuestión extra musical empezó a comentarse por aquella época: Freddie estaba notablemente desmejorado con respecto a sus últimas apariciones unos años atrás. Los rumores apuntaban a una posible infección por el virus del SIDA debido a su tendencia homosexual. Esto fue alimentado también porque el propio Freddie se encargó de anunciar que tras la salida del disco no habría gira de presentación, con lo que se dedujo que él mismo ya podría saber que estaba infectado y comenzando a empeorar. También contribuyó a alimentar los rumores la aparición de Freddie en la TV inglesa tras obtener un premio de la industria discográfica británica por la trayectoria de Queen. En aquella aparición estaba mucho más delgado, con un hablar más pausado y con síntomas de cansancio físico. Era febrero de 1990. El resto de miembros del grupo negaban una y otra vez que Freddie tuviera SIDA, y dejaron pasar algo de tiempo en el trabajo con Queen, haciendo otras cosas como la publicación del segundo disco de The Cross, producciones a otros artistas, etc. A su vez la compañía puso en circulación el vídeo “Live at Wembley ‘86”, hasta que cayeron en la cuenta de que para acallar los rumores lo mejor era grabar un buen trabajo discográfico, y se pusieron manos a la obra.

“INNUENDO” Y LA MUERTE DE FREDDIE (1991)

Recién empezado 1991 se publicó el single de adelanto “Innuendo”, con una estructura muy similar a sus grandes temas de los 70, tipo “Bohemian Rhapsody”, de duración media, épica y con varias partes diferenciadas. El LP se publicó en febrero de ese año, con una producción espectacular para unos temas muy trabajados que abarcaban estilísticamente todas las etapas de la vida de Queen. Fue el último disco de Queen en vida de Freddie. Él ya sabía que sería así, los médicos le habían pronosticado que no llegaría a grabarlo, pero lo consiguió. A trancas y barrancas pudo asistir a las sesiones de grabación y contar en el propio disco que se iba. “The show must go on” es su epitafio, aunque hay quien interpreta que fue una forma de anunciar que habría otro disco tras su muerte. Sin embargo, el propio Brian May siempre ha dicho que su despedida real fue la del clip de “These are the days of our lives”, en la que Freddie termina mirando fijamente a la cámara, repitiendo la última frase de la canción (“I still love you”) con una sonrisa cómplice y desapareciendo por un lateral. Mientras tanto, el disco funcionaba muy bien y tuvo buena aceptación tanto entre los fans de siempre como en los de la última época. Como tampoco hubo gira de presentación, los miembros del grupo se entretenían con múltiples cosas, por ejemplo Brian May organizó la noche de las guitarras de rock, dentro de las “Leyendas de la guitarra” de Sevilla, en la que le acompañaron Joe Satriani, Steve Vai, Nuno Bettencourt, Steve Walsh, Steve Ferrone, Mike Moran, Cozy Powell, Paul Rodgers, Don Airey, Rick Wakeman, Gary Cherone y Neil Murray, casi nada. Tras la grabación y publicación de “Innuendo” Freddie todavía tenía fuerzas para seguir trabajando, así es que intentó aprovechar el tiempo que le quedaba en la grabación de otro disco más. Cuando se sentía con fuerzas acudía al estudio y registraba las voces, aunque él mismo presentía que no le daría tiempo a terminarlo. El 23 de noviembre de 1991 se anunció oficialmente que Freddie Mercury tenía SIDA.. y al día siguiente murio.

“LIVE AT WEMBLEY ‘86” (1992) Y CONCIERTO-HOMENAJE

Por aquel momento se acababa de publicar la segunda parte del “Greatest hits”, que tuvo un empujón inesperado con la muerte de Freddie. No contenta con ello, la compañía publicó en 1992 otro disco en directo, “Live at Wembley ’86”, que no era sino la pista de sonido del video de mismo nombre publicado unos años antes. Salió como disco doble en directo y tenía algunos momentos memorables, como las versiones de algunos clásicos como “Baby I don’t care”, “Tutti fruti”, “Hello Mary Lou” y “Give me some lovin’ “, o la recuperación del solo de guitarra de “Brighton rock”. El 20 de abril de 1992 se celebró en el estadio Wembley de Londres un macro-festival para rendir tributo a Freddie Mercury. Los restantes miembros de Queen lo habían anunciado por sorpresa en la entrega de premios ‘BRIT Awards’ que se celebró en el mes de febrero, y en la que recibieron el premio al mejor single del 91 (“These are the days of our lives”) y un premio póstumo a Freddie Mercury por su contribución a la música británica. En ese anuncio no dijeron quiénes iban a actuar, pero aun así las entradas se agotaron nada más ponerse a la venta. Los tres miembros restantes de Queen comenzaron los ensayos en marzo, un mes antes del acontecimiento, puesto que llevaban cerca de 6 años sin tocar en directo. Finalmente el concierto-homenaje tuvo lugar con la participación de grupos como Metallica, Def Leppard, Extreme o Guns’n’roses, además de Brian, Roger y John interpretando temas de Queen con la ayuda de Roger Daltrey, Elton John, Liza Minelli, David Bowie y Robert Plant entre otros. El concierto se retransmitió por TV a todo el mundo y se publicó en forma de vídeo a finales de año. En septiembre de 1992 se publicó el primer disco de Brian May titulado “Back to the light”, que llevaba preparando bastantes años atrás. A pesar de lo guitarrero del LP, el primer single fue “Too much love will kill you”, una balada que resumía en su título todo lo que podría estar pasando por su cabeza. Una vez puesto en circulación, May formó su banda y empezaron una gira como teloneros de Guns’n’Roses que les llevó por América del sur y Europa, y posteriormente como cabezas de cartel por Japón, Europa y USA.

“MADE IN HEAVEN” (1995)

A finales de 1992 se publicó un nuevo disco de Freddie Mercury en solitario, “The great pretender”. Ya en 1993 se publicó un miniLP con las versiones en directo que grabó George Michael y el resto de Queen en el concierto-homenaje de Wembley, lo que desató todo tipo de conjeturas que al final se quedaron en eso. En 1994, Brian May publicó un nuevo disco titulado “Live at Brixton Academy”, y Roger Taylor sacó otro en solitario titulado “Happiness?”, con el que hizo una gira por Europa y Japón. A finales de año May, Deacon y Taylor, considerando que había pasado suficiente tiempo como para no tacharles de oportunistas se pusieron manos a la obra con todo el material que había dejado grabado Freddie Mercury tras la grabación de “Innuendo” para dar forma al disco póstumo que Freddie quería. El trabajo terminó en el otoño de 1995, y finalmente “Made in Heaven” se publicó en noviembre de ese año. El disco comienza y termina de la misma forma, con dos minutos largos de notas que se prolongan en el final de la grabación durante 22 minutos, como si quisieran decir que aquello no termina ahí. Se incluye también “Mother love”, la última canción que grabó Freddie (cuyas últimas notas pertenecen a “Going back”, la primera que grabó en toda su vida) y también “Too much love will kill you”, la balada que publicó Brian May en su disco pero esta vez cantada por Mercury.

“Made in Heaven” supuso el final de la historia.

Podría seguir contando la vida y milagros de los tres supervivientes de Queen hasta 2004, pero Queen terminan justo aquí. Por muchos recopilatorios, temas inéditos, directos y rarezas que quieran publicarse, el grupo murió con la publicación de “Made in Heaven”. Todo lo que aparezca será bienvenido pero pertenecerá ya a una banda que fue pero ya no existe, puesto que ellos mismos (en innumerables ocasiones) manifestaron ese deseo. Queen fueron Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, y ya no pueden volver a ser.


DISCOGRAFÍA OFICIAL:

Queen (13 de julio de 1973)
Queen II (3 de marzo de 1974)
Sheer heart attack (8 de noviembre de 1974)
A night at the opera (21 de noviembre de 1975)
A day at the races (10 de diciembre de 1975)
News of the world (28 de octubre de 1977)
Jazz (10 de noviembre de 1978)
Live killers (22 de junio de 1979)
The game (30 de junio de 1980)
BSO Flash Gordon (8 de diciembre de 1980)
Greatest hits (2 de noviembre de 1981)
Hot space (21 de mayo de 1982)
The works (27 de febrero de 1984)
A kind of magic (2 de junio de 1986)
Live magic (1 de diciembre de 1986)
The miracle (22 de mayo de 1989)
Queen at the Beeb (4 de diciembre de 1989)
Innuendo (4 de febrero de 1991)
Greatest hits II (28 de octubre de 1991)
Classic Queen (3 de marzo de 1992)
Live at Wembley ’86 (26 de mayo de 1992)
Made in heaven (6 de noviembre de 1995)
Queen Rocks (3 de noviembre de 1997)
Greatest hits III (1999)


FREDDIE MERCURY EN SOLITARIO:

- Mr. Bad guy (1985)
- Barcelona (1988)
- The Freddie Mercury Album (1992)
- The great pretender (1992)
- Remixes (1993)



BRIAN MAY EN SOLITARIO:

- Brian May and friends: Star fleet project (1983)
- Back to the light (1992)
- Live at Brixton Academy (1994)
- Another world (1998)
- Red special (1998)
- Fury (2000)


ROGER TAYLOR EN SOLITARIO:

- Fun in space (1983)
- Strange frontier (1985)
- The Cross: Shove it (1987)
- The Cross:: Mad, bad and dangerous to know (1990)
- The Cross: Blue rock (1991)
- Hapiness?
- Electric fire (1998)


JOHN DEACON EN SOLITARIO:

- BSO Biggles
Smile
- Gettin’ smile (1982)
- Ghost of a smile (1997)


ALGUNOS PIRATAS Y RAREZAS INTERESANTES:

- A tribute to Freddie Mercury (concierto-tributo de Wembley - 1992)
- Demories pleases majesties (rarezas – 1994)
- Her Majestic’s jewels (rarezas)
- In nuce (de la época de Smile – 1995)
- In the lap of the Queen (directo en Seattle/USA - 1977)
- Xmas 1975 (concierto de navidad del 75 – 1989)
- Rock in Japan (directo en Osaka/Japón – 1985)


TRIBUTOS INTERESANTES:

- Tributo a Queen: Los grandes del rock en español (Grupos de pop españoles y latinoamericanos - 1997)
- Dragon attack: A tribute to Queen (con la participación de gente como John Petrucci, Rudy Sarzo, Tommy Aldridge, Chris Impelliteri, Marty Friedman, Carmine Appice, Ted Nugent, Lemmy, etc. - 1996)
- Five live (May, Deacon y Taylor con George Michael en directo – 1993)
- Queen classics (Royal Philharmonic Orchestra – 1995)


VIDEOS OFICIALES:

- Greatest flix
- Greatest flix 2
- Live in Japan
- We will rock you
- The works
- Live in Rio
- Who wants to live forever / A kind of magic
- Live in Budapest
- Bohemian Rhapsody / Crazy little thing called love
- The magic years
- Rare live: A concert through time and space
- The miracle
- Live at Wembley
- We are the champions